Как изобразить движение на рисунке
Школа рисования
Базовые знания каждого художника и иллюстратора
Как рисовать движущиеся объекты
На улице постепенно наступает хорошая погода для пленэров, а это значит прекрасная возможность порисовать людей и объекты в движении. Многие избегают этого, считая слишком сложной задачей, но есть несколько моментов, облегчающих рисование всего что угодно в движении.
1. Начинайте с простых инструментом. Чтобы рисовать крутые скетчи вам достаточно простого карандаша и ластика. Можно добавлять цвета и здесь очень пригодятся акварельные карандаши и ватербраш — с их помощью можно создавать интересные эффекты с максимальным удобством.
2. Понаблюдайте за своим объектом некоторое время, прежде чем начинать рисовать. Ищите характерные повторяющиеся позы. Постарайтесь понять, как долго ваш объект останется в каждой позиции. Начните в верхнем левом углу листа и нарисуйте быстрые миниатюрные эскизы каждой из наиболее характерных поз. Не стесняйтесь стирать, просто наметьте свет и примерное направление движения. Каждый эскиз в идеале должен быть похож на моментальный снимок, так вы получите ключевые позы и диапазон движения.
3. Изучите структуру. Если вы хотите легко рисовать позы и движения, практика копирования упрощенных скелетов и структурных схем людей и животных вам очень пригодится. Необходимо знать основные формы скелета. Можно изучать скелеты по книгам (Баммес), а можно ходить в музей и рисовать с натуры, это единственный способ получить представление о трех измерениях. Когда вы рисуете кого-то, переключите глаза на «рентгеновское зрение» и представьте, как ведет себя скелет внутри.
4. Начните с рисования людей или животных, которые держат одну позу. Если у вас есть кошка или собака, вам повезло, идеальный объект для рисования перед вами. Легче всего рисовать спящие объекты, но даже они постепенно меняют позу. После того как вы уловите смысл и изучите форму, рисовать ту же собаку в движении будет гораздо проще.
5. Оставайтесь незаметным. Как правило люди, видя, что их рисуют начинают принимать странные позы или нарочно застывать. Постарайтесь уловить момент, когда вас никто не видит — так вы получите абсолютно естественный момент для рисунка.
6. Рисуйте музыкантов! Часто они находятся в достаточно статичной позе плюс вы получаете интересный инструмент в придачу.
7. Попробуйте использовать эффект покадрового видео. Если вы имеете дело с быстрым действием, вот подсказка для того, чтобы ваши глаза работали как высокоскоростная камера. Когда вы смотрите на свой объект, время от времени закрывайте глаза. Последняя поза, которую вы видите, будет в вашей краткосрочной памяти несколько секунд. Со временем вы научитесь вспоминать более подробную информацию о позе.
8. Тренируйте свою память. Знания, память и воображение тесно связаны. Вы можете добиться наибольшего прогресса, когда чередуете наблюдение, изучение книг и рисование по памяти. Вы можете нарисовать животное из жизни, а затем нарисовать эту позу позже в своем альбоме только по памяти.
Даже если этот эскиз по памяти выглядит не очень хорошо, он помогает вам встретиться лицом к лицу с тем, что вы знаете, и тем, что вы не знаете. Затем вы можете дополнить пробелы в своих знаниях, нарисовав животное например с фотографии.
9. Рисуйте друзей в кафе и ресторанах. В ресторане у вас будет около 15-20 минут после того, как вы закажете еду, пока ждете пищу. Обычно вы находитесь в освещенном месте и имеете удобный стол под рукой. Постарайтесь уловить особенности человека, которого вы рисуете. Как он говорит или жестикулирует, подумайте о том, какая поза является наиболее типичной для этого человека.
10. Посещайте зоопарки и фермы для рисования животных. Зоопарки дают прекрасную возможность набросать животных, которых было бы трудно наблюдать в дикой природе. Животные часто возвращаются к тем же позам или движениям, поэтому вы можете потратить больше времени на свой эскиз.
От себя еще могу добавить, что рисовать людей в разных позах отлично помогают базовые линии движения.
Как делать энергичную анимацию. Советы и техники от аниматора Skullgirls
Skullgirls – 2D файтинг, в котором каждый кадр анимации нарисован вручную.
Основные принципы и техники
Настольная книга аниматоров прошлого и современности – «Иллюзия жизни: анимация Диснея», выпущенная в 1981 году. Мультипликаторы студии Дисней Томас Фрэнк и Олли Джонстон изложили в ней «12 базовых принципов анимации», которые актуальны до сих пор. Мариэль делает акцент на некоторых из них.
В анимации самая важная задача силуэта – показать действие. Если персонаж атакует – зритель должен видеть его кулаки или занесенный меч. Если боец прикрывается от ударов – в силуэте должна прослеживаться защитная стойка. Читаемость особенно важна в динамичном файтинге, где игроку нужно мгновенно реагировать на происходящее.
Хотя персонажи Skullgirls дерутся немного непривычными способами, по силуэту легко определить, что они делают.
Упреждение
Многим простым движениям предшествует подготовительное действие, которое в анимации называется упреждением. К примеру: перед ударом по мячу футболист заносит ногу; тренер набирает полную грудь воздуха, чтобы дунуть в свисток.
Упреждение привлекает внимание зрителя к следующему движению персонажа. Этот прием создает контраст между статичной и атакующей позой, позволяет почувствовать вес и силу и удара.
Змей перед укусом раскрывает пасть. Всего один кадр упреждения улучшает читаемость движения.
В файтингах у персонажей разная длительность упреждения. Боец под контролем игрока должен быть более отзывчивым: мгновенно реагировать на нажатия клавиш и двигаться быстрее соперников. Упреждение для игрового персонажа длится меньше, чем анимация перед атаками оппонента. Игроку нужно иметь чуть больше времени для ответной реакции – защиты, бегства или контратаки.
Акцент на ключевых кадрах
Ключевые кадры или ключи показывают положение персонажа в начале и в конце действия. Они служат важным ориентиром в работе.
Анимация всех бойцов в Skullgirls построена вокруг ключевых кадров. Сначала рисовали позы персонажей для ключей, а затем добавляли промежуточные кадры. Этот метод позволяет сделать гладкий переход между позами, поскольку аниматор заранее знает, как будет выглядеть персонаж в крайних точках любого действия.
От качественного исполнения рисунков для ключевых кадров зависит читаемость движения. Поэтому силуэты персонажей на них должны быть максимально выразительными.
В анимации резких движений можно обойтись без использования промежуточных кадров. На примере выше между двумя ключевыми позами расположен лишь один кадр упреждения.
Сквозное движение
Это принцип работает на гармоничное восприятие картинки. Он применяется в анимации сложных объектов, чтобы показать способность различных частей персонажа двигаться с разной скоростью.
Принцип положительно влияет на читаемость действия, поскольку части уже остановившегося объекта – волосы, одежды, украшения – продолжают показывать вектор движения. Это помогает наладить связь между текущей и предыдущей позой персонажа, создать плавный переход и сделать интервалы между ключевыми кадрами интереснее.
Сквозное движение в некоторых ситуациях позволяет использовать меньше кадров для анимации действия. Аниматор может пропустить упреждение и сразу перейти к ключевому кадру. Сквозное движение дает понять зрителю о направлении движения.
Мазок и размытие
Эти приемы используются, чтобы показать быстроту и скорость. Они позаимствованы на заре анимации из комиксов и используются в 2D анимации до сих пор.
Рисунок с размытием занимает мало кадров, но в то же время содержит много информации для зрителя. Удачный мазок на рисунке позволяет определить характер выполняемого действия и позу персонажа в начале и в конце удара.
Пара мазков показывает скорость и направление движения, а их прорисовка не требует больших трудозатрат.
Художники по-разному изображают быстрое действие. Оно может быть представлено в виде полосы света, оставшейся от взмаха мечом, размытой или вытянутой конечности или многократного повторения движущихся частей.
На стоп-кадре этот момент выглядит забавно, а в движении — очень динамично.
Проскок
Эту технику аниматоры используют, чтобы показать резкое и энергичное действие с короткой амплитудой движения. Движущаяся часть тела «проскакивает» ключевую позу, а затем возвращается в нее, слегка напоминая маятник. Проскок можно сочетать с размытием и сквозным движением.
На примере проскок комбинирован с размытием.
А вот проскок в анимации удара бойца из Street Fighter 3.
Тут проскок дополнен сквозным движением рукава.
Аниматоры файтингов охотно используют этот прием, потому что он позволяет придать атаке визуальную силу. Анимация проскока при попадании слегка «залезает» на персонажа противника. Это усиливает ощущение воздействия, а у игрока не остается сомнений, что оппонент получил по заслугам.
Искажение анатомии
«Задача аниматора – передать эффект движения. Нет нужды делать каждый кадр отдельным произведением искусства. Не нужно бояться преувеличивать или утрировать, искажать привычную анатомию, если это может улучшить читаемость движения»
Мариэль Картрайт, ведущий аниматор Skullgirls.
Неестественно вывернутые суставы допустимы в промежуточных кадрах, если они работают на читаемость движения.
Эти позы физически невозможны, но они отлично передают динамику движения.
Даже идеально отрисованные кадры не сделают анимацию живой и привлекательной без правильной настройки длительности тайминга и спейсинга.
Чересчур быстрые движения бойцов не позволят игроку уловить происходящее на экране, у него не останется времени на ответную реакцию. Если действия слишком вялые – внимание зрителя будет рассеянным, он утратит интерес.
От тайминга зависит время перехода от одного ключа к другому, а от спейсинга – скорость этого перехода. Эти моменты проще уловить на наглядном примере.
Скорость и реалистичность перехода от одной ключевой позы к другой зависит от настройки спейсинга
Сравните две шкалы, показывающие динамику движения мячиков. Оба шарика перемещаются по шкале времени и совершают свой путь вверх и вниз за одинаковое время, но с разной скоростью.
Больше времени для ключей!
При работе над Skullgirls аниматоры заметили, что одинаковые интервалы между кадрами не всегда позволяют получить желаемую картинку. При сохранении равных интервалов между кадрами движения хуже считывались зрителем, и на их прорисовку требовалось большее время.
Разработчики могли экспериментировать и настраивать длительность каждого кадра отдельно, поскольку анимация в игре создавалась вручную. Решить проблему удалось благодаря выдерживанию небольших пауз на ключевых позах. Движения стали выразительнее, а трудозатраты художников – уменьшились.
В анимации слева между кадрами установлены одинаковые интервалы, и на секунду действия приходится 20 различных изображений. После настройки тайминга и спейсинга (справа) персонаж быстрее замахивается кулаком и чуть дольше задерживается в ключевой позе.
Хитстоп для весомости ударов
«Вы не сделаете чертовски хорошую игру без хитстопа»
Майк Займонт, ведущий дизайнер Skullgirls
Наблюдательный игрок в файтинги мог заметить, что персонаж игрока и его противник, получив повреждение, застывают на месте на доли секунды. Этот прием называется хитстоп и используется в большинстве 2D файтингов, чтобы сделать удары ощутимыми.
Длительность хитстопа зависит от силы атаки – чем она мощнее, тем дольше персонажи остаются застывшими.
Получая повреждение, персонажи ненадолго замирают в ключевых позах, чтобы игрок прочувствовал силу удара и обратил внимание на попадание.
Реакция на команды
Когда персонаж бездействует, он принимает позу ожидания. Она не статична – боец может переминаться с ноги на ногу, сжимать и разжимать кулаки. Переход из позы ожидания к действию и обратно – едва уловимый, но важный момент, на который стоит обратить внимание при создании анимации.
Персонаж не замирает, как статуя, даже когда игрок не трогает клавиши.
Как уже говорилось ранее, многим движениям в реальности предшествует подготовка или некоторая задержка. К примеру: бегущий человек не сразу набирает максимальную скорость и не сразу останавливается; перед прыжком нужно согнуть ноги и оттолкнуться от земли.
Если действовать в рамках законов физики, то движения в анимации будут очень реалистичны. Однако, стоит помнить об особенностях создаваемого продукта. В играх порой приходится жертвовать реализмом в угоду геймплея.
Игрок ожидает мгновенной реакции персонажа на команды, поэтому переход от состояния спокойствия к действию должен быть быстрым. Для этого аниматоры настраивают спейсинг – увеличивают интервалы между кадрами перед ключами действия и спокойствия.
Чему научились аниматоры, работая над Skullgirls?
Работа над файтингом продолжалась 4 года. За это время разработчики набивали шишки и учились на своих ошибках. Какие советы они дают начинающим и опытным аниматорам?
Тестируйте анимацию с самого начала
Уже на этапе эскиза персонажи Skullgirls получали анимацию ударов и спецприемов и были полностью играбельны. После тестовых боев аниматору передавали заметки и предложения по улучшению анимации. Художники продолжали работу параллельно с настройкой всех параметров. К концу правок персонаж был полностью отрисован и готов к финальным тестам.
Пайплайн разработчиков Skullgirls: грубый набросок, его анимация и тестирование, чистовой лайн, финальная анимация с учетом правок.
Разбивай движение на составные части
Аниматоры Skullgirls выработали собственный подход к анимации движений, позволяющий сохранить энергичность и плавность анимации, обойтись наименьшим числом кадров. Они разделяют каждое движение на 4 части:
· упреждение;
· размытие;
· атакующий ключ;
· возврат.
Атаку персонажа удалось уместить всего в 4 кадра.
Больше – не значит лучше
В погоне за супер-плавной картинкой можно нагромоздить излишнее количество деталей и кадров. Детали отвлекут внимание зрителя от самого действия, а лишние кадры сделают движение однообразным и скучным.
Анимация падения занимает 21 кадр, что очень много для Skullgirls. Движение слишком размеренное и содержит много ненужных деталей.
Фикс от аниматоров (немного на скорую руку).
Финальная версия стала короче на 6 кадров. Персонаж дольше задерживается в ключевых позах, уменьшено число промежуточных кадров. Благодаря этому движение выглядит эффектнее.
Движение содержит 45 кадров и занимает 12 мегабайт памяти. Оно “тяжелое”, ему не хватает энергичности и скорости.
Когда анимация удара стала короче на 16 кадров, ее вес уменьшился в три раза без ущерба для читаемости движений.
Аниматор, помни!
1. Даже самая крутая анимация не в силах надолго удержать интерес игрока, если у игры скучный геймплей.
2. Анимация должна соответствовать требованиям и ограничениям, накладываемым игрой. Работайте совместно с гейм-дизайнером.
3. Ключевые позы и силуэт – основа читаемых движений. Создавайте анимацию, отталкиваясь от ключей.
4. Каждое движение следует раскладывать на составные части.
Не знаете, что за игра Skullgirls? Мы писали о том, как разрабатывались игра и персонажи, какие принципы исповедовали создатели и что пошло не так на этапе релиза.
Аниматор, помни!
1. Даже самая крутая анимация не в силах надолго удержать интерес игрока, если у игры скучный геймплей.
Композиция в живописи. Движение и равновесие
В картине все должно быть уравновешенным, даже в том случае, когда передается движение. Художники достигают этого в своей работе путем чувства координат, вертикальной и горизонтальной осей равновесия, учитывая и правильно распределяя нагрузки справа и слева, вверху и внизу. Практически большее значение имеет вертикальная ось равновесия, которая проходит через центр полотна. С учетом ее и делается нагрузка пластических объемов, красок, отыскивается главный узел действия или, если это портрет, то изображаемое лицо. Дело это совсем не простое и требует много чуткости, тонкости и мастерства. Надо принимать во внимание, что иногда маленькое темное пятнышко может уравновесить большое серое пятно. Пятно яркого цвета в одной части требует отзвука в другой части, подобно тому как звук вызывает эхо, иначе оно будет одиноким, чужим, случайным.
Об этом можно много говорить, но лучше проследить по картинам выдающихся мастеров, как и в каких случаях художники применяли те или иные приемы в построении колорита.
Мы уже говорили о портрете инфанты Маргариты работы Веласкеса, где повторяющиеся удары красного цвета играют большую роль в выявлении главного содержания произведения.
В широко известной картине Делакруа «Свобода, ведущая народ» красный и синий цвета на знамени повторяются в других частях картины, причем самые сильные цветовые акценты подчеркивают композиционный центр картины, выделяя главную фигуру — фигуру Свободы.
Не следует забывать, что природа, тяготея к симметрии, в то же время не терпит полной, абсолютной симметрии. Если всмотреться в лица людей, то можно увидеть, что полностью симметричное лицо найти трудно. Лицо, изображаемое на портрете с соблюдением точной симметрии, смотрится неживым. То же самое и в природе. Природа любит симметрию, но еще более любит ее нарушать, внося бесконечное разнообразие во все. Левый глаз человека не копия правого глаза, а его вариант. То же можно сказать обо всем теле человека и его частях. Поэтому уравновешивание компонентов картины совсем не означает стремления к абсолютной геометрической симметричности. Это противоречило бы самой сущности изобразительного искусства и было бы примитивно.
Наоборот, нужно избегать сухой симметричности, стремиться к безыскусственности, разнообразию, таким же, как в природе. Общий вид картины, построение, композиционная схема должны отвечать ее смыслу, ее идее и своими ритмами подчеркивать, вызывать определенные настроения, ассоциации. Например, картина итальянского художника Ренессанса Альбертинелли «Встреча Марии и Елизаветы».
Встреча Марии и Елизаветы. Мариотто Альбертинелли, 1503. Масло
В ней линия арки своей замкнутостью усиливает, подчеркивает идею встречи и взаимного согласия двух склонившихся друг к другу женских фигур.
Делакруа говорил, что своего любимца, венецианского художника Паоло Веронезе, он представляет себе двояко: суровым и озабоченным, когда он замышляет свои полотна, веселым и шутливым, когда он их выполняет с удивительной легкостью и непринужденностью. В самом деле, глядя на картины Веронезе, невольно думаешь, что этому великому мастеру ничего не стоило писать головы, руки, драпировки. А вот общий замысел картины, ее композиция, оказывается, даже для этого волшебника кисти были очень тяжелым трудом.
Венера и Марс, связанные Амуром. Паоло Веронезе, ок. 1570. Холст, масло
В создании сюжетной картины при работе над предварительным эскизом важнейшее место занимает решение самого сюжета. По существу, художнику надо решить задачу мизансцены, которая отличается от театрального действия только тем, что персонажи в картине немы, а действие дается в один из кульминационных моментов.
Само собой понятно, что это отличие делает работу художника еще более трудной, чем работу режиссера. Однако хорошему художнику все же удается создать впечатление движения и жизни, а сюжет раскрыть для зрителей полностью, сделать его понятным с первого взгляда. Недаром К. С. Станиславский мечтал о том, чтобы каждая мизансцена в театре напоминала картину художника.
Всем известная картина Федотова «Сватовство майора» поражает тем, как удалось художнику добиться внутренней жизни во всем. В этом и заключается особенность изобразительного искусства — давать картине жизнь во времени.
Сватовство майора. П. Федотов, 1848. Масло
Все прекрасно знают, что «Запорожцы» Репина написаны маслом на холсте и неподвижны. По существу же они, как вы сами можете убедиться, наполнены жизнью и движением.
Вот это замечательное свойство живописи — давать на холсте жизнь во времени — предоставляет художнику такие возможности, требуя от него в свою очередь большой чуткости и тонкости в творческих поисках.
В картине Домье «Беженцы» главный мотив — это стремительное движение словно гонимых судьбой людей, вынужденных покинуть родину.
Беженцы. О. Домье, 1850. Масло
Чтобы сделать более ощутимым горестное бегство, художник ограничился суммарной характеристикой фигур, они выделяются силуэтами на хмуром сером небе, проходят мимо нас, мы не успеваем разглядеть их лиц.
Наоборот, в картине Мантенья «Принесение во храм» представлен неторопливый торжественный обряд в величественном древнем храме.
Принесение во храм. А. Мантенья, ок. 1460
В каждой картине помимо движения и покоя фигур может быть еще движение и покой в самих живописных формах. Симметрия дает впечатление покоя, ее нарушение вносит в картину движение, даже когда фигуры стоят на месте. Было замечено, что преобладание горизонталей придает картине покой, наличие вертикалей вносит в нее напряженность, диагонали, которые особенно любили мастера барокко, поддерживают движение. Язык композиционных форм в картинах больших мастеров сливается в одно целое с чисто изобразительными мотивами.
В акварели А. Иванова «Жених, выбирающий серьги для невесты» метко и тонко охарактеризован каждый из четырех персонажей.
Жених, выбирающий серьги для невесты. А. Иванов, 1838. Акварель
Это придает сцене живой, подвижной характер. За ними уходит вдаль узкая уличка. Но персонажи Иванова, выстроенные в ряд, образуют симметрическую группу, и это придает композиции уравновешенный характер.
Можно было бы привести еще много примеров режиссерского мастерства художников, но здесь главное запомнить следующее: в поисках правильного решения сюжета, в процессе эскизирования чрезвычайно важна трезвая и честная оценка хорошего и плохого, выгодного и неудачного. Следует неустанно искать, менять все — персонажей, их места, обстановку, время дня, освещение, колорит. А затем выбрать наиболее выгодное, простое и идущее к делу, наиболее ярко работающее на выражение идеи, сюжета.
Всего этого можно достичь трудом, упражнениями, беря вначале несложные сцены из жизни и всячески варьируя их, отыскивая наилучшее.
Самое важное, самое ценное в художнике — это творческое начало, умение увидеть, глубоко понять, почувствовать жизненные явления, осмыслить их и по-своему проникновенно показать, взволновать людей, сделать их духовно богаче. Художник видит зорче, а потому и больше замечает, глубже вникает (хотя бы по роду своей профессии) в жизненные явления, чем иные люди. Художник быстрее замечает черты нового в жизни, сильнее чувствует красоту и своим творчеством помогает людям видеть мир ярче, шире, глубже.
Ясно поэтому, что художнику мало быть профессионально грамотным, ему нужно уметь творчески воспринимать жизнь, много знать, много видеть, много понимать. Все это сказано для того, чтобы стали ясны вся неповторимая ценность подлинного художника, его творческий труд, наполненный взлетами и падениями, путь к высокому совершенствованию. Научить ремеслу и профессиональной грамотности можно, но воспитать творческое начало художник должен в себе сам.