Как музыка связана с изобретением
Научная работа по музыке » Музыка и научные открытия»
Научные открытия в области музыки для учащихся старших классов
Просмотр содержимого документа
«Научная работа по музыке » Музыка и научные открытия»»
С древних времен известно, что музыка может влиять на мозг. Она действует на подсознание, нейроны мозга. Музыка может поднять настроение или навеять лирические мысли.
Перед тем как поговорить о влиянии музыки на наш мозг, разберемся с самим мозгом.
Мозг состоит из двух полушарий: доминантного и не доминантного. Доминантное полушарие отвечает за речь и логическое мышление. Благодаря этому мы можем общаться между собой.
Не доминантное полушарие отвечает за пространственное и творческое мышление. Гениальность определяется тоже не доминантным полушарием.
Теперь разберемся, как влияет музыка на наш мозг. Например, чистые звуки и музыка без слов действует на не доминантное полушарие. Как известно, оно больше нацелено на чувства и глубину сознания. Слушая чистую музыку, человек подсознательно переживает реальность гораздо острее. Гаммы чувств, сменяя друг друга, накрывают одно за другим. Когда человек прекращает прослушивание, он выходит из этого состояния, но ощущения остаются.
В обычной жизни человек использует небольшой процент мозга. Чтобы раскрыть способности человека, нужны особые рычаги, и один такой рычаг — это музыка.
Классическая музыка укрепляет нейроны головного мозга, формирует крепкую связь между правым и левым полушариями мозга, тем самым способствуя развитию умственных способностей и овладению иностранными языками. К такому выводу пришли исследователи из университета итальянского города Кьети. Они открыли так называемый «эффект Вивальди», доказав, что регулярное прослушивание его знаменитого симфонического сочинения «Времена года» улучшает свойства памяти.
Многочисленные исследования в разных странах подтверждают, что классическая музыка не только гармонизирует психологическое состояние человека, но и способствует развитию творческих способностей, творческого воображения, а также внимания и интеллекта, помогает раскрытию внутреннего потенциала, коммуникабельности и даже развитию речи.
Доказано, что обучение игре на музыкальных инструментах в раннем возрасте благоприятно влияет на дальнейшее развитие ребенка. В 2008 году Мэри Форджерд, Эллен Уиннер и Андреа Нортон, преподаватели Сент-Эндрюсского университета, обнаружили, что дети, занимающиеся музыкой около трех лет, превосходят своих сверстников сразу по четырем показателям: восприятие информации на слух, моторика, словарный запас и логическое мышление.
Не зря известны высказывания многих великих людей, подтверждающие озвученную выше мысль:
Платон (428 или 427 до н. э., — 348 или 347 до н. э.) — древнегреческий философ: «Музыка воодушевляет весь мир, снабжает душу крыльями, способствует полету воображения; музыка придает жизнь и веселье всему существующему. Ее можно назвать воплощением всего прекрасного и всего возвышенного».
Ральф Уо́лдо Э́мерсон (1803 —1882) — американский эссеист, поэт, философ, пастор, лектор, общественный деятель; один из виднейших мыслителей и писателей США: «Музыка побуждает нас красноречиво мыслить. Музыка показывает человеку те возможности величия, которые есть в его душе».
Ри́хард Ва́гнер (1813—1883) — немецкий композитор и теоретик искусства,крупнейший реформатор оперы, Вагнер оказал значительное влияние на европейскую музыкальную культуру, особенно немецкую: «Музыка не может мыслить, но она может воплощать мысль».
Васи́лий Алекса́ндрович Сухомли́нский (1918 — 1970) — выдающийся советский педагог-новатор, писатель: «Музыка — могучий источник мысли. Без музыкального воспитания невозможно полноценное умственное развитие».
Рассмотрим данные утверждения, изучая биографии хотя бы двух известных исторических личностей.
Алекса́ндр Порфи́рьевич Бороди́н
Алекса́ндр Порфи́рьевич Бороди́н (1833—1887) — русский композитор, учёный — химик и медик. Уже в детстве обнаружил музыкальную одарённость, в 9 лет написав первое произведение — польку «Helen». Обучался (по воле матери преимущественно дома) игре на музыкальных инструментах — вначале на флейте и фортепиано, а с 13 лет — на виолончели. В это же время создал первое серьёзное музыкальное произведение — концерт для флейты с фортепиано.
В возрасте 10 лет стал интересоваться химией. Вся комната мальчика была заставлена колбами, грелками и другими приспособлениями для химических опытов. Впоследствии именно химия, а не музыка стала его профессией.
Во время учёбы в Медико-хирургической академии Бородин начал писать романсы, фортепианные пьесы, камерно-инструментальные ансамбли, чем вызывал недовольство своего научного руководителя Зинина, считавшего, что занятие музыкой мешает серьёзной научной работе. По этой причине во время своей стажировки за границей Бородин, не отказавшийся от музыкального творчества, вынужден был скрывать его от коллег. В этот период им созданы струнный и фортепианный квинтеты, струнный секстет и другие камерные произведения. Решающим в его музыкальной биографии стал 1862 год, когда Бородин познакомился и подружился с композитором Милием Балакиревым и его кружком (впоследствии известным под именем «Могучей кучки»). Под их влиянием Бородин начал работу над своей первой симфонией. Её окончание затянулось ввиду загруженности композитора научной, преподавательской и издательской деятельностью, однако в 1867 году симфония была все-таки закончена. К 1867-1868 годам относится работа Бородина над оперой-фарсом «Богатыри».
В мире науки Александра Порфирьевича Бородина знали как профессора, руководителя химической лаборатории, академика Медико-хирургической академии, почётного члена Общества русских врачей, автором более 40 работ по химии. А. П. Бородин — ученик и ближайший сотрудник выдающегося химика Н. Н. Зинина, вместе с которым в 1868 году стал членом-учредителем Русского химического общества
В последние годы жизни Бородин все больше отдается музыке – композитор постепенно вытесняет ученого. Успех Первой симфонии подвиг Бородина на продолжение работы в этом жанре: в 1869 году возникает замысел симфонии си-бемоль минор. Однако вскоре композитор оставляет его, привлеченный идеей оперы на сюжет древнерусского эпоса «Слово о полку Игореве», которую позже, уже после его смерти, Н. А. Римский-Корсаков и А. К. Глазунов доведут-таки до конца.
Дми́трий Ива́нович Менделе́ев
Д.И. Менделеев был очень хорошо знаком с А.П. Бородиным. Они вместе были в зарубежной командировке. Дружба Бородина и Менделеева сохранилась на всю жизнь.
В этот период Дмитрий Иванович открывает явление, ныне известное как «критическая температура» (Температура, выше которой газ не может быть превращен в жидкость ни при каком давлении). Это было одним из его основных научных достижений. Он выпускает учебник по органической химии, который был высоко оценен и даже получил Демидовскую премию. Защищает докторскую диссертацию на тему «О соединении спирта с водой». Примечательно, что именно тема диссертации легла в основу легенды об изобретении Менделеевым водки. Когда Менделеев начинает читать лекции по неорганической химии, он обнаруживает, что в институте нет никаких пособий, которые можно было бы дать студентам. Это и подтолкнуло его к началу работы над своим трудом «Основы химии». В 1869 году Русскому химическому обществу была представлена периодическая система элементов. «Основы химии» еще при жизни ученого восемь раз издавались в России. В переводе на немецкий, английский, французский языки книга выходила еще пять раз. Работал над особенностями переработки нефти. Предложил новый метод изготовления бездымного пороха. Тогда же его назначают хранителем Депо образцовых мер и весов. Здесь Менделеев добился возобновления прототипов аршина и фунта. Были проведены вычисления по сравнению метрических, английских и русских эталонов мер.
По настоянию Менделеева в стране была факультативно допущена метрическая система мер.
В начале ХХ века иностранные ученые неоднократно выдвигали Менделеева на Нобелевскую премию. Российские ученые не делали этого никогда. Несмотря на то, что в 1906 году Нобелевский комитет присудил премию Менделееву, Шведская королевская академия наук утверждать это решение не пожелала.
Основные достижения Менделеева
Открыл периодический закон химических элементов. Он является одним из фундаментальных законов природы.
Внес значительный вклад в кораблестроение, его труды значительно поспособствовали освоению Крайнего Севера.
Существенно продвинул вперед изучение химии силикатов, стеклоделия, стеклообразного состояния.
54 научные работы по исследованию газов и жидкостей. 44 труда по темам растворов и гидратов.
Активно разоблачал спиритизм вместе с другими учеными.
Изучал вопросы воздухоплавания, создал стратостат, который предназначался для подъема в верхние слои атмосферы. Проявлял большой интерес к аппаратам, которые были тяжелее воздуха.
Стал предтечей метрологии, в том числе химической метрологии.
Разработал новый способ получения бездымного пороха.
Обосновал главные направления хозяйственного развития Российской империи. Принял участие в создании Таможенного тарифа (1891 год). Был сторонником протекционизма.
Был участником экспедиции на Урал, которая исследовала новые возможности развития промышленности.
Вплоть до конца своей жизни Менделеев совершенствовал свою периодическую систему.
На открытиях великого ученого Дмитрия Менделеева построена вся современная химия. Но немногие знают, что и в свободное от серьезной науки время он поражал окружающих своими талантами — мастерил чемоданы, великолепно играл в шахматы, разгадывал тайну «лунной краски» и даже совершил полет на воздушном шаре в Клину.
Вот что о Менделееве пишет его сын ИванДмитриевич: «Больше всего меня теперь поражает необыкновенная трудоспособность отца». Вот описание одного обычного рабочего дня Менделеева в его дневнике 1861 года: «8 января. Отлично занимался утром. Перегнал бром, определил его капиллярность. Получил уже цинк-этиль, отлично шло все, и славное настроение духа произошло от того. Поёшь себе чудно. После обеда были у Гофманов. Софья Карловна пела отлично «Соловья» и «Caro mio ben». Потом пошли ко мне. Вечером после них еще поработал». Замечательно выражено здесь чувство наслаждения работой, побуждающее по ходу синтеза петь, а после трудового дня и общения с друзьями «еще поработать».
А вот описанный Екатериной Сергеевной Бородиной типичный день ее будущего мужа в начальную пору их любви: «Мы часто бывали вместе. День его устраивался так: с 5 часов утра до 5 часов вечера – химическая лаборатория. С 5 до 8 – наши с ним прогулки по горам. А с 8 или 9 часов вечера до 12 – музыка в зале Гофманского пансиона».
Сопоставляя описания дня Менделеева и дня Бородина, невольно обращаешь внимание еще на одну общую черту. Эти люди умели не только работать, но и отдыхать. И отдых для них в значительной степени был связан с искусством. Для Бородина это, несомненно, музыка. Менделеев тоже был неравнодушен к музыке. Друзья в шутку называли его «Леонорой» за то, что он постоянно напевал мелодии Бетховена. В письме родным в Тобольск из Германии от 24 сентября 1860 года он пишет об игре органа во Фрайбурге: «Такие минуты наслаждения, что помнишь всегда».
Технологии и музыка: Влияние и закономерности
Одним из первых искусств на Земле стала музыка. У первых древних людей не было письменности, а языки только зарождались, но музыка уже была. Она выражала потребность к чему-то большему, чем простые физиологические потребности. Можно с уверенностью констатировать, что музыка сделала человека человеком, наравне с трудом.
Сложно переоценить роль музыки и в жизни современных людей. Мир встречает первый крик ребенка, который можно назвать музыкой. Дитя слушает колыбельную матери и запоминает интонации родного голоса на всю жизнь. Музыка развивалась на протяжении всей истории. Влияние технологий прослеживается отчетливо, начиная с самой глубокой древности. Люди все свое осмысленное существование были заняты изобретением музыкальных инструментов.
Еще во времена античности мыслители отделили музыку от всех остальных искусств, присваивая ей особый статус. Люди могли влиять на нее, но это влияние не было таким большим, как в других видах искусства. Музыка исповедует другие законы, и с их правильностью крайне сложно спорить, как нельзя спорить с тем, что расстроенная гитара и скрипка не будут приносить удовольствие, но будут «резать слух».
Роль технологий в музыке
Люди все время совершенствуют свои навыки обработки различных материалов. Соответственно, появляются возможности их применения и в музыкальных инструментах. В качестве примеров можно привести путь развития струнных инструментов. Так, первыми струнными инструментами были лиры и арфы, где в качестве струн использовался конский волос. Развитие технологий позволило изготавливать металлические струны, которые используются в струнных инструментах и в наши дни.
Не меньшее значение имела и деревообработка, когда различные породы дерева позволяли получать различную окраску звучания. Каждый народ создавал свои музыкальные инструменты, исходя из имеющихся ресурсов, знаний и умений. Однако, самое большое влияние на появление новых инструментов и модернизацию уже существующих оказали последние 150 лет. Самые большие изменения коснулись трех групп инструментов — клавишных, ударных и струнных. Темпы влияние технологий на музыку начали ускоряться с появлением компьютеров и с их адаптацией под специфику музыкальных задач.
Даже эксперты уже не в состоянии быть полностью уверенными в том, что слышат звучание «натуральных» инструментов, а не звуки, созданные умной компьютерной программой. Послушайте трек по ссылке https://hitster.fm/asker-kushu/kak-zhe-ty-mogla. И вокал, и мелодия звучат гармонично, складываясь в приятную для слуха композицию. А вы сможете уловить в ней присутствие элементов обработки? Современные технологии могут творить самые настоящие чудеса!
Новое в музыкальном образовании
Научить музыке даже одаренного или талантливого человека крайне непросто. Это нельзя сделать за один день или месяц. Потребуется не только регулярные занятия, но и каждодневная работа над собой, обязательные сотни часов практической игры на выбранном инструменте. Только тогда можно говорить о том, что из ученика вырос музыкант, имеющий все шансы получить признание. Изменилось ли что-то в этой области сейчас?
Изменилось и очень многое! С появлением интернета мастера могут нести свои знания и умения в массы. Очные занятия тоже требуются, но азы почти всегда можно передать от учителя ученику дистанционно. Интернет стал настоящим прорывом, который дает больше возможностей для обучения и убирает такие препятствия, как нехватка времени и большие расстояния.
Люди всегда были любопытными, а молодые люди любопытны вдвойне. Молодежь, ищущая себя в музыке, ищет то, что может быть интересно не только ей, но и другим. Это новые инструменты, ритмы, новые форматы звука и, конечно, новые манеры исполнения. Музыку можно смело считать тем искусством, где нет места стереотипам. Чтобы понять это, нужно прослушать несколько треков современных популярных исполнителей. Например, https://hitster.fm/pink/just-like-a-pill, где исполнительница пытается выразить свое состояние и настроение.
Именно сейчас музыка стала самым доступным средством самовыражения, которое имеет максимально быстрый и точный отклик в умах и сердцах людей. Современные технологии помогают добиваться нужных результатов за меньшее время с меньшими усилиями и, в том числе, в обучении. Современные уроки музыки задействуют не только мастерство педагога, но и его умение обращаться к компьютеру, работать в различных программах и, конечно, играть на электронных музыкальных инструментах.
Что изменилось для композиторов?
Новые технологии поменяли многое в музыке, но даже им не удалось поменять ее сути. Музыку кто-то должен создавать. В наши дни есть такая профессия – композитор. Это специалист, знающий все о написании музыкальных произведений. Раньше им требовалось масса времени на то, чтобы подобрать оптимальный состав инструментов, опробовать их партии, провести эксперименты с тембрами и деталями звучания, соотнести все это с контекстом будущего произведения.
Теперь же эту рутинную работу может выполнить для композитора его компьютер с установленным специализированным ПО. Компьютер становится главным средством для сочинения музыки. Он стал надежным помощником и теперь творческий процесс предоставляет все больше возможностей для творчества, ограждая композитора от необходимости выполнения большой подготовительной работы в ручном режиме.
С появлением ИИ появилась возможность создавать музыкальные произведения без участия человека. Подобные эксперименты уже проводились и оказались вполне успешными, но все же роль человека-композитора остается решающей. Люди придают музыке особые тона, ту самую изюминку, делающую из набора звуков то, что мы называем музыкой. Перспективы дальнейшего влияния технологий на развитие музыки велики, но она всегда будет оставаться искусством, сближающим людей!
Главные изобретения в классической музыке
06.01.2016 1 комментарий Просмотры: 1 604
Струна Пифагора, гвидонова рука, скрипка, фортепиано, метроном, граммофон и теории, без которых классическая музыка в ее сегодняшнем виде не состоялась бы.
Около V века до н. э.
Изобретение монохорда
Изобретение инструмента для точного построения музыкальных интервалов приписывается Пифагору. Впервые его принцип действия был описан Евклидом полтора столетия спустя, но вплоть до эпохи Возрождения монохорд оставался главным инструментом теоретиков.
Он представлял собой одну-единственную струну с подвижным зажимом, который двигался на нижней оси, параллельной струне, вдоль всей ее длины сообразно нанесенной на основании шкале делений. Инструмент часто даже не имел резонатора.
В отличие от других музыкальных инструментов античности он никогда не звучал в храмах и на площадях. Однако именно ему было суждено сыграть судьбоносную роль в истории музыки.
Дело в том что с помощью этого нехитрого прибора пифагорейцы впервые установили математические основания музыкальной гармонии. По мнению греков, музыкальная гармония являлась частью всеобщей гармонии мира, в основании которой лежат числа. С помощью этого прибора были рассчитаны математические соотношения музыкальных интервалов в натуральном строе и разработана теория музыкальных ладов.
1027 год
Появление прообраза современной линейной нотации
Появление прообраза современной линейной нотации и сольмизации (сольфеджио) итальянским ученым, композитором и педагогом Гвидо д’Ареццо в первую очередь было шагом к ликвидации разрыва между теорией и практикой того времени.
Гвидонова рука из итальянского литургического сборника. Кодекс 1450–1499 годов. Фото – Ms. Coll. 1468. Kislak Center for Special Collections / Rare Books and Manuscripts / University of Pennsylvania
Линейная нотация явилась важнейшим шагом вперед, если сравнивать ее с более старой, так называемой невменной нотацией, использовавшейся в Европе начиная с IX столетия.
Новую систему записи дополняла специальная мнемотехническая система, называемая гвидоновой рукой, где порядок следования звуков определялся по костяшкам и кончикам пальцев. Звуки впервые были отделены от слогов пропеваемого текста и получили универсальные названия, взятые, впрочем, тоже из начальных слогов гимна святому Иоанну. Музыкальное обучение, таким образом, встало на научную основу. Оно резко упростилось, покончив с изустной передачей колоссальных объемов информации.
Также необходимо уточнить, что Гвидо открыл только сам принцип: до создания нотных символов в том виде, к которому мы привыкли, оставалось еще целых шесть столетий. Да и названий нот у Гвидо было всего шесть — седьмая была прибавлена позднее (это была нота си, дополнявшая гамму до полного диапазона октавы; во времена Гвидо использовалась шестиступенная система).
1481 год
Впервые использован печатный станок для тиражирования нот
Это сделал итальянец Оттавиано Скотто, напечатав миссал с деревянных досок (миссал — богослужебная книга Римско-католической церкви, содержащая последования мессы с сопутствующими текстами).
Ровно 20 лет спустя, в 1501 году, его соотечественник Оттавиано Петруччи (1466–1539) впервые применил наборный шрифт для печати нот и получил от Венецианской республики 20-летнюю монополию на их издание (имя Оттавиано Петруччи получила в наше время крупнейшая сетевая нотная библиотека, по аналогии с проектом «Гутенберг»).
Первым нотным изданием Петруччи стал сборник «Harmonice musices odhecaton» («Сто сладкогласных песен»), в котором были опубликованы светские многоголосные сочинения выдающихся композиторов того времени — Обрехта, Окегема, Депре, Тинкториса и других.
Вплоть до изобретения грамзаписи и радио нотная печать стала главным и чуть ли не единственным средством распространения музыки в Европе.
1580–90-е годы
Изобретение равномерной темперации
Со времен Пифагора (см. Монохорд) музыка пользовалась натуральным строем. Однако человеческий слух устроен таким образом, что в условиях многоголосия (когда некоторые интервалы берутся певцами или певцом и инструментом совместно) или при переходе из одной тональности в другую мы будем воспринимать некоторые сочетания как фальшивые (ведь все интервалы в ладу будут иметь разные соотношения частот, а самый мелкий — полутон, или малая секунда, — целых три: 15:16, 128:135, 24:25).
Во времена господства вокальной одноголосной музыки все эти перерасчеты в основном оставались на бумаге, но с прибавлением к хору органа, требовавшего точной настройки, начались первые проблемы. С развитием инструментальной музыки в эпоху Возрождения фальшь стала невыносимой. Изобретались различные способы исправления «ошибки природы» — в частности, за счет варьирования ширины основных интервалов. Эта ширина просто-напросто усреднялась до определенного приемлемого значения. Так и родилось понятие темперации, что в переводе с латыни означает «успокоение».
Примерно в такой последовательности и по сей день работают настройщики. Однако в конце XVII века сразу несколько крупных ученых поставили вопрос о создании такого строя, в котором бы все интервалы воспринимались слухом как равные между собой, начиная с самого мелкого — полутона (то есть 1/12 части октавы). Нельзя с точностью сказать, кто был автором формулы расчета равномерной темперации, так как мы встречаем ее у разных авторов.
Как и в случае с другими изобретениями, рассчитанными на унификацию той или иной музыкальной технологии, равномерная темперация дала мощный толчок композиторам, которые стали использовать систему равных полутонов для получения самых смелых звукосочетаний. С другой стороны, равномерная темперация вызвала законные возражения музыкантов-исполнителей, в первую очередь струнников, справедливо утверждавших, что естественные тяготения тонов в строе с равномерной темперацией друг к другу в мелодиях звучат беднее и суше.
По последним данным, еще Бах использовал разные системы неравномерной темперации. Однако все конструкции музыкальных инструментов начиная с середины XVIII столетия строились с учетом темперации равномерной, кроме струнных смычковых, конструкция которых в принципе к этому строю не может быть приспособлена. Последними «натуральными» инструментами симфонического оркестра оставались медные (местами до начала ХХ века), но дальнейшее усовершенствование их устройства также не оставило им шанса. Только в вокальной музыке (везде в фольклоре и иногда в церкви) уцелел натуральный строй.
1560-е годы
Инструменты скрипичного семейства
Вопреки еще недавно широко распространенному мнению, скрипка не являлась продуктом спонтанного усовершенствования и гибридизации ранее существовавших смычковых (различных виол, фиделя или ребека), а была сознательным изобретением принципиально нового инструмента, соответствовавшего самым свежим (к середине XVI века) данным из области физики и акустики.
Струнные смычковые инструменты из трактата Афанасия Кирхера «Musurgia universalis». 1650 год. Фото – Bibliothèque nationale et universitaire de Strasbourg
Четыре струны, настроенные по квинтам, давали возможность быстрой и удобной унификации положения пальцев на грифе. По сравнению с виолой скрипка обладала гораздо более мощным и насыщенным звуком.
Как и в случае с аналогичными изобретениями, у этого было сразу несколько авторов (предположительно, Микели Пеллегрино, Николо Фонтана и Андреа Амати), а развитие и совершенствование скрипичного строительства в XVII веке привело к появлению в первой половине XVIII века знаменитых инструментов Страдивари и Гварнери. Инструменты виольного семейства получили мощный конкурирующий клан, борьба с которым была проиграна как раз к эпохе Гварнери (вторая четверть XVIII века).
Все скрипичное семейство было создано сразу целым комплектом, первоначальный состав которого был такой: сопрановая скрипка, альтовая, теноровая, басовая. Диапазон инструментов приблизительно соответствовал диапазонам певческих голосов — абсолютное господство вокальной музыки и аккомпанирующая роль инструментов в XVI веке все еще были суровой реальностью. Позднее тенор выпал из этого комплекта, зато появился контрабас, созданный Микеле Тодини сто лет спустя (правда, об этом изобретении забыли вплоть до времени формирования классического оркестра (1750-е годы).
В отличие от многих других инструментов, инструменты скрипичного семейства не претерпели практически никаких изменений в конструкции (не считая конструкции смычка, а также других мелочей вроде формы подставки или замены жильных струн на стальные в ХХ веке).
1709 год
Изобретение фортепиано
Бартоломео Кристофори изобретает фортепиано, принципиально изменив конструкцию известного с XV века клавесина.
В клавесине при нажатии клавиши на струну ее задевало специальное перышко, что не давало возможности управлять силой звука и протяженностью. Единственным выразительным средством клавесинистов была артикуляция, а также применение огромного количества мелодических украшений (мелизмов), призванных в первую очередь продлить или акцентировать тот или иной звук (например, трель). Для того чтобы разнообразить динамику и характер звука, подключались другие наборы струн, управлявшиеся с другой клавиатуры (как в органе).
В инструменте Кристофори по струне ударял молоточек, сила удара которого зависела от силы нажатия клавиши. Поэтому он и получил название «клавесин с тихим и громким звуком» (по-итальянски di piano e forte, откуда произошло современное название фортепиано). Колебания струны можно было гасить глушителем (демпфером), а можно было оставлять звучать, нажимая на педаль или отпуская ее.
Усовершенствования механики и резонансной части начали появляться уже в первое десятилетие существования новинки, а к 1858 году этот инструмент приобрел свой современный вид. За это время фортепиано стало самым массовым инструментом, которым и продолжает оставаться до сих пор, впрочем сдавая свои позиции электропианино.
1722 год
Появление функциональной гармонии
Первоначально европейская профессиональная музыка была одноголосной и модальной, то есть основанной на том или ином ладу, с единственным устоем, звучащим только в начале и в конце сочинения.
«Трактат о гармонии, сведенной к ее природным принципам» Жана Филиппа Рамо. 1722 год. Фото – Bibliotheque Nationale de France
С развитием многоголосной музыки независимые линии голосов стали образовывать аккорды, но аккорд еще долго не воспринимался отдельно от голосовых линий, что довольно сложно понять современному слушателю, привыкшему воспринимать музыку как последовательность аккордов. (На отбор устойчивых, эффектных и запоминающихся последовательностей аккордов ушел весь XVII век.) Более того, четыре из шести наиболее употребительных ладов просто исчезли из обращения и сменили названия. Теперь для нас это мажор и минор.
Французский композитор и теоретик эпохи барокко Жан Филипп Рамо в своем «Трактате о гармонии, сведенной к ее природным принципам» ввел иерархию ступеней, оставшихся в употреблении ладов. Первые три аккорда из этой системы — тоника, субдоминанта и доминанта — «три блатных аккорда», известных любому гитаристу, пробующему свои силы в подворотне. (В галантные времена Рамо они носили название системы «тройной пропорции».) Рамо обосновывает понятие тональности как «систему иерархически централизованных функциональных отношений, где тоника пронизывает всю гармоническую структуру». Кроме того, аккорды, согласно Рамо, теперь должны были расставляться в строго отведенных местах.
Таким образом, утверждался новый музыкальный синтаксис, в котором остановка на доминанте означала нечто вроде запятой в сложном предложении, а остановка на тонике — точку. Локализация царства тоники, доминанты или других функций становится неотъемлемой и узнаваемой чертой более крупных разделов форм. Все без исключения формы классиков и романтиков — от маленькой шопеновской прелюдии до колоссальной симфонии Брукнера — основывались на противопоставлении более близких к тонике и более далеких от нее функций.
В XIX веке размножение принципа «тройной пропорции» на другие ступени лада привело к отяжелению системы, размыванию границ мажора и минора (например, у Вагнера), созданию крайне протяженных синтаксических структур колоссальной сложности (например, у Брамса).
Импрессионист Клод Дебюсси и вовсе стал любоваться отдельными красивыми аккордами, рассыпая их целыми гроздьями по всем группам оркестра или фортепианным регистрам, а эксцентричный композитор и пианист Эрик Сати пошел еще дальше, нарушая все подряд правила гармонии уже из принципа. В последней трети ХХ века массовая музыка под влиянием блюза и фольклора вернулась на модальную основу, и в настоящее время изобретение Рамо реально используют только в учебной практике и для стилизаций.
1815 год
Изобретение метронома
Немецкий механик, пианист и педагог Иоганн Непомук Мельцель получил патент на свое изобретение 5 декабря.
Метроном Иоганна Непомука Мельцеля. Фото – Musikinstrumenten-Museum des Staatlichen Instituts für Musikforschung – Preußischer Kulturbesitz / Oliver Schuh
Его конструкция метронома завоевала особую популярность, хотя в начале XIX века у Мельцеля было множество конкурентов, так как идея «музыкального хронометра» носилась в воздухе. Это изобретение не только служило учебным целям, отбивая абсолютно ровные доли такта или целые такты, но и было призвано фиксировать авторскую волю в отношении темпа исполняемого сочинения.
До изобретения метронома композитор указывал только характер (весело, живо, широко), а примерный темп зависел от длительности долей такта (так, allegro, то есть «весело» на три восьмых полагалось играть быстрее, чем на три четверти), но к 1815 году темп все чаще зависел от индивидуальных и даже региональных предпочтений, не говоря уже об акустике помещения.
Бетховен был горячим пропагандистом нового изобретения, посвятил Мельцелю канон «Та-та-та» и имитировал звучание метронома во второй части Восьмой симфонии. Однако метрономические указания стоят в малой части всего каталога бетховенских сочинений, а в разных источниках — разные метрономические числа.
Другим любителем метрономических чисел был Игорь Стравинский, но его собственные записи одних и тех же сочинений, сделанные в разные годы (1925–1965), также демонстрируют совершенно разные числа. Более того, как показывает история исполнительства в грамзаписи, темпы исполнения тех же симфоний Бетховена (а тем более Мендельсона, Шумана и других романтиков) менялись через каждые 20 лет под влиянием моды, новых возможностей акустики концертных залов, звукозаписи и так далее. Но считать метроном бесполезным изобретением нельзя: это лучшее доказательство того, что музыкальное время, как и любое другое, является довольно условной и субъективной категорией.
1877–1900 годы
Изобретения в области механической грамзаписи
(1877 год — изобретение фонографа, 1898 год — граммофона, 1900 год — механического фортепиано)
Акустические исследования 1860-х годов закономерно увенчались изобретением машины, позволявшей не только получать визуальное изображение звука, но и воспроизводить его.
Томас Эдисон рядом с фонографом, 1877 год. Фото – Library of Congress
Сегодня, в эпоху электронной революции, можно утверждать, что и то и другое оказалось равно важным для музыки будущего, однако именно возможность воспроизводить записанный звук, а также тиражировать его оказалась равновеликой усилиям Петруччипо изобретению нотного набора. Нотный лист утратил свою монополию на право быть единственным носителем музыкальной информации.
Французский поэт и изобретатель-любитель Шарль Кро заявляет в 1877 году об изобретении палефона, идея которого ему пришла в голову при работе над созданием цветной мультипликации. Кро не запатентовал это устройство, а Эдисон через месяц патентует свое с формулировкой «усовершенствование инструмента для контролирования и воспроизводства звуков». (Промышленные образцы реально работающих фонографов, записывающих звук на цилиндрические восковые валики, появились только через десять лет после появления экспериментального образца, в котором иголка, создававшая звуковые колебания в прикрепленной к ней мембране, ходила вверх-вниз. Ассистент Эдисона Эмиль Берлинер перевернул систему на 45 градусов: его игла совершала колебания влево-вправо.)
Американский изобретатель Эмиль Берлинер назвал свое устройство граммофоном и наладил их промышленное производство в Великобритании в 1898 году. Парадоксально, но первоначально пластинки и фонографы не рассматривались для фиксации процесса индивидуального музыкального исполнения — на каталогах и этикетках пластинок были только название сочинения и состав инструментов (качество было таким, что это пояснение могло быть необходимым).
Только звукорежиссер и продюсер фирмы «Граммофон» Фред Гайсберг догадался делать записи выдающихся певцов и инструменталистов. Первыми звездами звукозаписи стали Карузо, Шаляпин, Баттистини и Мельба. В 1910 году совокупный тираж пластинки с записью ариозо Канио из оперы Леонкавалло «Паяцы» в исполнении Карузо достиг миллиона.
Эмиль Берлинер с моделью первого изобретенного им граммофона, 1910–1929 года. Фото – Library of Congress
Граммофон перевернул социальную функцию музыки, потеснив домашнее музицирование вместе с пианолой — механическим фортепиано, появившимся в 1900 году. Механическая грамзапись взбудоражила умы изобретателей, резонно решивших, что раз пластинка может воспроизводить записанный звук, то, значит, на ней можно выгравировать звук собственного изобретения.
Эта мысль появляется уже в 1907 году у русского футуриста Николая Кульбина, однако она была реализована только 20 лет спустя на основе оптической записи. Повторы этой мысли можно было встретить в авангардистских журналах вплоть до 1926 года, когда идея «рисованного звука» витала в воздухе. Музыка же для механического фортепиано, не исполнимая ни на чем другом, начала создаваться уже в 1910-е годы: самый известный пример — «Механический балет» Ман Рэя и Джорджа Антейла для кинопроекции, ансамбля пианол и шумовых инструментов 1924 года.
1923 год
Изобретение додекафонии
После распада функциональной системы композиторы стали искать способы новой тональной организации, способной противостоять хаосу звуков.
Отто Клемперер, Арнольд Шёнберг, Антон Веберн, Герман Шерхен. Донауэшинген, Германия, 1924 год. Фото – Arnold Schönberg Center
Некоторые композиторы обратились к гармонии высших обертонов натурального ряда (например, Скрябин), но равномерная темперация мешала им довести эти опыты до конца, а выход за ее пределы на тот момент оказался преждевременным. Многие композиторы попробовали вернуться к модальности и стали создавать новые лады на основе числовых закономерностей (Мессиан) или наблюдений над народными ладами (Барток).
Австрийские композиторы стали отталкиваться от важнейших классических принципов, таких как единство материала, возможность его варьирования и его повторность, — на протяжении десяти лет Арнольд Шёнберг и его ученики, Антон Веберн и Альбан Берг, старательно разрабатывали принципы работы с самыми элементарными частями музыкальной речи: мотивом, интервалом, аккордом.
Попутно они были вынуждены обратить внимание на существенную роль других акустических параметров музыки, ранее считавшихся просто декоративными: в первую очередь на тембр и динамику. При всей своей изощренности принципы этой так называемой атональной музыки (сами они ее определяли как внетональную) были слишком хрупкими и не давали возможности создавать большие контрасты (исключение составляла вокальная музыка). Нужна была какая-то тотальная система, которая бы заменила функциональную тональность, но была бы более гибкой и всеобъемлющей. И такая система была найдена.
«Музыкальная мысль» Арнольда Шёнберга. Рукопись 1921–1926 годов. Used by permission of Belmont Music Publishers and the Arnold Schoenberg Center
Приоритет в открытии додекафонии до сих пор оспаривается, так как поисками такой системы были независимо друг от друга озабочены сразу несколько композиторов в разных странах. Но только Шёнбергу удалось построить стройную и непротиворечивую систему из 12 тонов, в которых каждый следующий тон связан только с предыдущим. Это означает полную ликвидацию понятия устоя и центра, то есть формирование не вертикально, а горизонтально организованной (наподобие интернета или тайных обществ, где каждый участник знает только членов своей ячейки) системы.
Последовательность из этих тонов называется серией (Шёнберг писал «ряд»). Внутри серии ни один звук не повторяется. Число 12 (по-гречески «додека») соответствует количеству полутонов в октаве, а следовательно, звуков хроматической гаммы. Серия из 12 звуков становится основным строительным материалом додекафонной музыки. Естественно, что пока в изложении не появятся один за другим все 12 звуков в заданной последовательности, повторять ни один из них нельзя, иначе это станет началом возвращения к прежнему хаосу.
Таблица рядов Третьего струнного квартета, op. 30, Арнольда Шёнберга. 1927 год. Фото – Universal Edition A.G., Wien/PH 228
www.universaledition.com
Серия не является ни мелодией (хотя вполне может приобрести ее форму), ни аккордом (хотя частями или целиком может быть взята одновременно), а скорее, звуковым полем, то есть принципиально новым состоянием звуковой материи. Ни один из звуков серии, в том числе начальный и конечный, не является центром тяготения, как в модальной или тональной музыке. Ведь все звуки серии являются связанными только друг с другом.
У серий есть еще несколько важных свойств. Во-первых, их форма остается неизменной при чтении в зеркальном отражении, при чтении задом наперед, а также в зеркальном отражении задом наперед. Эту игру Шёнберг позаимствовал у авторов эпохи Возрождения, вовсю применявших такие преобразования хоральной мелодии, в последовательности звуков которой нельзя было производить никаких изменений, так как она была освящена папским авторитетом. Во-вторых, количество серий исчерпаемо лишь формально (количество комбинаций из 12 звуков выражается числом 12! (факториал 12), то есть 479 001 600).
«Я обеспечил немецкой музыке приоритет на ближайшие 200 лет»,
— писал Шёнберг о своем открытии в письме к одному из своих корреспондентов.
Надежды Шёнберга тем не менее оправдались лишь отчасти. Напрямую додекафонный метод в чистом виде использовали почти все композиторы в ту или иную пору своего творчества, но редко когда этот принцип становился главенствующим. Классическая додекафония довольно суха и однообразна, несет на себе несмываемую печать своей эпохи и стиля (преимущественно экспрессионизма) и в настоящее время ее «выпуск 1923 года» старомоден.
Арнольд Шёнберг. Фотография ателье Schlosser & Wenisch. Прага, 1924 год. Фото – Arnold Schönberg Center
В Советском Союзе додекафония, несмотря на усилия Николая Рославца, работавшего в том же направлении в 1910–20-е годы по ее пропаганде, была запрещена как техника и превратилась в ругательное слово, которым обозначалась любая музыка, выходящая за рамки неоклассического канона.
В настоящей статье рассмотрены только те важные для истории развития музыки изобретения, которые так или иначе лежат в границах европейской профессиональной письменной традиции, использующей акустические музыкальные инструменты.
Поэтому вне рамок обзора останется история электроакустической музыки, которая базируется на основе принципиально новых представлений о фиксации звука и источниках его возникновения. Вместе с тем электроакустическая музыка так или иначе основана на тех знаниях и изобретениях, которые возникли еще в доэлектрическую эпоху.