Как называется движение в музыке

Урок музыки в 5 классе по теме: «Волшебная палочка дирижера»

Урок музыки в 5 классе по теме: «Волшебная палочка дирижера»

Образовательная: показать особое значение роли дирижёра при исполнении симфонической музыки; познакомить с историей возникновения дирижерской палочки; показать выразительные возможности различных групп инструментов, входящих в симфонический оркестр; познакомить со знаменитыми дирижерами.

Развивающая: развивать интерес к предмету, учить мыслить, рассуждать, чувствовать музыку, характеризовать музыкальные образы, развивать творческие способности.

Воспитательная: воспитывать слушательскую культуру, эмоциональную отзывчивость на восприятие классической музыки

Оборудование: интерактивная доска, компьютер с колонками, карточки с заданиями, презентация

I. Организационный момент.

У: Здравствуйте уважаемые гости, доброе утро ребята, улыбнитесь друг другу, посмотрите на доброжелательные лица учителей. Тему урока узнаете через несколько минут.

II. Актуализация знаний. «Мозговой штурм».

У: Повторим некоторые музыкальные понятия, которые пригодятся нам на уроке.

1. Что такое темп в музыке? (Скорость звуков)

2. Как называется окраска звука в музыке? (Тембр)

3. Как называется движение в музыке? (Динамика)

4. Как звучит музыка, написанная в минорном ладу? (протяжно, уныло)

5. Как звучит музыка, написанная в мажорном ладу? (весело, торжественно, звонко)

6. Многочисленный коллектив музыкантов, играющих на разных инструментах. (Оркестр)

7. Как называют музыкантов в оркестре? (Оркестранты)

8. Музыкант, руководитель оркестра. (Дирижёр).

Молодцы, вы правильно ответили на вопросы.

III. Сообщение темы урока. Изучение нового материала.

У: Сегодня на уроке мы поговорим об одной из очень важных профессий. Посмотрите слайд. Какой профессии человека вы видите?

Что он держит в руках?

Д: (предполагаемые ответы). Это дирижёр! Он главный в оркестре, руководит оркестром. В руке держит дирижерскую палочку

У: Сегодня на уроке мы будем говорить о симфоническом оркестре, о дирижёрах симфонического оркестра, о группах музыкальных инструментов, которые входят в симфонический оркестр. Тема урока называется

«Волшебная палочка дирижёра» Почему она волшебная?

На этот вопрос мы будем отвечать весь урок

-какая музыка по характеру

-какими красками нарисовал композитор эту музыку

— Назовите оркестр, которым управляет дирижер Герберд Караян

Д: ……….Симфонический оркестр.

У: Скажите, сколько групп инструментов входят в состав симфонического оркестра?

Д: В состав симфонического оркестра входит четыре группы инструментов.

У: Назовите группы инструментов, входящие в состав симфонического оркестра.

б) с определённой высотой звучания: литавры, тарелки, треугольник, колокольчик, ксилофон, виброфон, челеста.

У: У вас на столах лежат Рабочие листочки. Покажите стрелочками инструменты, которые входят в состав симфонического оркестра.

У: Молодцы, вы справились с первым заданием.

Инструменты занимают в оркестре определенные места.

(Показ на слайде расстановки групп инструментов в оркестре)

А давайте теперь вместе посмотрим на инструменты и правильно распределим их по группам.

На слайде. В середине разные инструменты, их нужно стрелочками распределить в группы!

У: Какие виды оркестров еще существуют?

Д: Духовой, оркестр народных инструментов, джазовый.

Слайд №8 Виды оркестров

У: кто руководит и дирижирует всеми оркестрами, которые вы назвали?

У: Дирижер управляет коллективом музыкантов в процессе разучивания

и исполнения ими музыкального произведения.

Руководит дирижер оркестром с помощью дирижерских жестов и небольшой деревянной палочки, которые понятны всем музыкантам мира.

Слайд №10 (Показ дирижерской палочки)

Эту палочку иногда называют волшебной. Ведь один ее взмах может вызвать гром барабанов и звуки труб, пение скрипок и трели флейты. Не только у дирижера есть волшебная палочка, давайте вспомним, где можно еще встретить волшебную палочку.

Д: У сказочных героев – фея. В мультиках – волшебники, звездочеты.

У: История появления дирижерской палочки очень необычна и интересна.

В 18 веке в опере дирижера называли «дровосеком» потому, что в руках

у него была палка из дерева длинной 1 метр 80 см, называли ее «батута» Батутой громко ударяли по полу в ритм мелодии. Такое дирижирование называлось «громким». (И мы с вами сейчас это проверим. Звучит музыка, а мы в такт музыке будем стучать карандашами о парту)

(ударяет батутой по полу в такт фрагменту мелодии)

Скажите, мешал ли стук батуты слушанию музыки?

Д: Воспринимать музыку под такой стук очень сложно. Я, думаю, что стук батуты мешал слушанию музыки.

У: Стук батуты очень мешал восприятию музыки. В 19 веке появился первый скрипач оркестра, который отложил скрипку и стал дирижером. С развитием оркестровой игры появилась необходимость в более четкой ритмической организации оркестра. Возникло «тихое дирижирование» жестами рук.

Слайд № 13 (показ дирижерской палочки)

Музыкантам очень неудобно было видеть жесты дирижера, который стоит

к ним спиной. Первым, кто повернул дирижера к оркестру, стал немецкий композитор и дирижер Рихард Вагнер.

Чтобы дирижерская палочка была более заметной, ее делают светлой. Палочка явилась как бы продолжением руки дирижера.

У: Сейчас мы с вами поиграем в игру «ДИРИЖЕР» и подумаем, какова основная роль дирижера.

У: Теперь организуем выступление шумового оркестра.

1 ряд хлопает в ладоши

2 ряд стучит деревянными карандашами

3 ряд поочередно стучит ладонями по парте

(ребята играют сами и у них ничего не получается, затем играют с помощью учителя – дирижера.)

Вывод: Без дирижера шумовой оркестр не звучит.

Следовательно, роль дирижера очень велика. Почему?

У: Все музыканты должны очень внимательно следить за жестами дирижера, если дирижер поднимает руки выше, значит инструменты должны звучать громче, если опускает ниже – тише.

Далее в качестве дирижеров выступают учащиеся.

У: Молодцы, ребята, вы были очень внимательны.

У: Ребята, как вы думаете, трудно быть дирижером? Какими способностями, качествами должен обладать дирижер? Продолжите фразу «Чтобы быть дирижером нужно…»

У: Известный дирижер ответил так: «Ой, их не перечислишь! Но прежде всего это: хороший музыкальный слух, память, коммуникабельность, жизненная активность, великолепная физическая форма, громадная сила воли, широчайший кругозор знаний в самых разных областях. Качеств очень много и лишь все вместе они дают облик профессионального дирижера. Отсутствие какого-либо из них – уже изъян».

У: В нашей стране много выдающихся дирижеров, которые внесли огромный вклад в развитие дирижерского искусства. Посмотрите слайды, на которых будут представлении великие дирижеры нашей страны.

Вероника Дударова, советский и российский дирижёр, педагог. Первая в СССР женщина-дирижер. Народная артистка СССР (1977).

Валерий Гергиев советский и российский дирижёр. Художественный руководитель Мариинского театра (с 1988 года), главный дирижёр Лондонского симфонического оркестра. Народный артист России (1996)[1] и Украины (2003). Лауреат двух Государственных премий России (1993, 1998)

У: Скажите, ребята, а достаточно ли оркестру играть вместе, слажено или нужна еще и окраска звука?

Д: Да, нужны средства музыкальной выразительности.

У: Вот представьте, если бы у нас вся природа была одного цвета, она была бы красива?

Д: Нет, было бы все однообразно и скучно.

У: Вот и у каждого музыкального инструмента есть свой окрас. У вас на партах лежат инструменты, подумайте и разукрасьте их в тембровые цвета.

(на партах лежат листы с изображением инструментов и цветные карандаши)

Слайд №21 Звучит музыка, дети разукрашивают

У: Давайте посмотрим на ваши результаты, в какие цвета вы разукрасили инструменты.

Итог – чем ниже тембр у инструмента, тем темнее цвет.

У: Из инструментов которые мы с вами разукрасили что можно создать?

Д: оркестр, ансамбль…

У: а в нашем городе есть ансамбль? (Анс. СФ)

В июле 1940 года по решению Народного Комиссара ВМФ из активных участников художественной самодеятельности на базе Дома Красной Армии и Флота в Полярном был организован ансамбль.

Первый ансамбль состоял из 8 человек

Основу репертуара флотского коллектива составляли патриотические и лирические песни, песни о войне.

И сегодня на уроке мы с вами познакомимся с песней из репертуара Ансамбля СФ Экипаж

Послушайте песню и скажите, какого она характера и о чем она нам рассказывает.

Где может звучать эта песня?

(Слушаем песню, обсуждаем, разучиваем)

У: Итак, давайте подведем итог.

— Зачем нужен дирижер?

— Почему палочку дирижера называют волшебной?

У: Молодцы. Вы все хорошо работали на уроке!

Источник

Музыкальное движение

От занимающегося требуется двигаться только вместе с музыкой: начинать движение с её началом и заканчивать точно с окончанием. Движение должно отражать характер музыкального фрагмента — контрастность, текучесть, порывистость и т. д., — иначе говоря, занимающийся должен найти в музыке угадывающееся там движение. Как показывает практика, почти никто из новичков это сделать не может; для обучения способности «двигаться в музыке» создатели метода разработали специальный тренаж: отобраны такие музыкальные фрагменты, в которых двигательный характер музыки проявляется особенно явно, и найдена пластическая форма, точно отражающая все особенности данного музыкального произведения.

Правильное выполнение упражнения заключается не в копировании двигательной формы, а в её воссоздании, для чего занимающийся должен услышать, прочувствовать и присвоить — «взять внутрь» — музыкальное произведение со всеми его особенностями. Только тогда пластический жест занимающегося совпадет с музыкальной интонацией произведения и отольется в эстетически совершенную и эмоционально убедительную музыкально-двигательную форму. Задача эмоционального выслушивания музыки и перевода её в движения собственного тела служит импульсом для развития музыкальности и личностного роста.

Упражнения тренажа разделены по уровню сложности на три группы — от таких, в которых связь музыки с движением лежит на поверхности, до тех, где она не очевидна. Поднимаясь с одного уровня на другой, занимающийся в одно и то же время осваивает содержание все более сложных музыкальных фрагментов и овладевает более сложными движениями. Важной частью метода являются самостоятельные работы занимающихся — их собственная пластическая интерпретация предлагаемых музыкальных произведений. В созданной Гептахором пластике подчёркиваются центральные характеристики музыки — дыхательность, текучесть, пружинность. Метод, первоначально созданный как часть музыкального воспитания, используется также в танцевальных практиках, в особенности для обучения двигательной импровизации и свободному, или пластическому танцу.

Связанные понятия

Упоминания в литературе

Связанные понятия (продолжение)

Эта статья посвящена музыкальному аспекту Капоэйры. Существует отдельный стиль музыки, являющийся неотъемлемым сопровождением для проведения игры афро-бразильского боевого искусства-танца Капоэйра.

Музыка постмодернизма может быть рассмотрена как музыка эпохи постмодерна или музыка, которая следует эстетическим и философским направлениям постмодернизма. Как музыкальный стиль, постмодерн включает характерные черты художественного постмодерна — это искусство после модернизма (см. Модернизм в музыке). Он характеризуется сочетанием различных музыкальных стилей и жанров. Характерно также самокопание и ироничность, желание стереть границы между «высоким искусством» и китчем, (Д. Олбрайт. Daniel Albright.

В отличие от прочих видов человеческой деятельности, танец нечасто оставлял четко идентифицируемые материальные свидетельства, способные просуществовать тысячелетия, подобно каменным орудиям, домашнему снаряжению или пещерной живописи. Невозможно точно определить период, когда танец стал частью культуры человеческого общества, однако несомненно, что ещё до появления древнейших цивилизаций он являлся важным элементом церемоний, ритуалов, празднований и увеселительных мероприятий. Существуют доисторические.

Источник

Музыкальное движение

Музыкальное движение — это метод музыкального воспитания, личностного развития и обучения свободному танцу. Он одинаково пригоден как для детей, так и для взрослых (метод адаптирован для разных возрастных групп) и рассчитан, главным образом, на здоровых людей, хотя есть успешные попытки применить его элементы в работе с проблемными детьми, например, страдающими аутизмом. Занятия проходят в группах, всегда под живую музыку (инструментальную или вокальную). В качестве музыкального материала используются специально подобранные фрагменты классических произведений и народных песен (музыка может быть разной, но исторически метод был разработан именно на таком музыкальном материале).

От занимающегося требуется двигаться только вместе с музыкой: начинать движение с её началом и заканчивать точно с окончанием. Движение должно отражать характер музыкального фрагмента — контрастность, текучесть, порывистость и т. д., — иначе говоря, занимающийся должен найти в музыке угадывающееся там движение. Как показывает практика, почти никто из новичков это сделать не может; для обучения способности «двигаться в музыке» создатели метода разработали специальный тренаж: отобраны такие музыкальные фрагменты, в которых двигательный характер музыки проявляется особенно явно, и найдена пластическая форма, точно отражающая все особенности данного музыкального произведения.

Правильное выполнение упражнения заключается не в копировании двигательной формы, а в её воссоздании, для чего занимающийся должен услышать, прочувствовать и присвоить — «взять внутрь» — музыкальное произведение со всеми его особенностями. Только тогда пластический жест занимающегося совпадет с музыкальной интонацией произведения и отольется в эстетически совершенную и эмоционально убедительную музыкально-двигательную форму. Задача эмоционального выслушивания музыки и перевода её в движения собственного тела служит импульсом для развития музыкальности и личностного роста.

Упражнения тренажа разделены по уровню сложности на три группы — от таких, в которых связь музыки с движением лежит на поверхности, до тех, где она не очевидна. Поднимаясь с одного уровня на другой, занимающийся в одно и то же время осваивает содержание все более сложных музыкальных фрагментов и овладевает более сложными движениями. Важной частью метода являются самостоятельные работы занимающихся — их собственная пластическая интерпретация предлагаемых музыкальных произведений. В созданной Гептахором пластике подчёркиваются центральные характеристики музыки — дыхательность, текучесть, пружинность. Метод, первоначально созданный как часть музыкального воспитания, используется также в танцевальных практиках, в особенности для обучения двигательной импровизации и свободному, или пластическому танцу.

Содержание

Из истории музыкального движения

Музыкальному движению скоро исполнится сто лет. Вдохновительницей этой традиции была Айседора Дункан, а создательницами — Стефанида Руднева и её подруги с Бестужевских курсов. Увидев в первое десятилетие ХХ в. гастрольные выступления Дункан в России, они решили, не подражая ей буквально, делать нечто близкое по духу: пластически исполнять музыку. Аккомпанементом на их «белых собраниях» — по цвету хитонов — всегда была живая игра на музыкальных инструментах или пение. В 1918 г. историк античности Ф. Ф. Зелинский, их профессор на Бестужевских курсах, дал группе имя Гептахор, или «танец семерых» — по числу участниц. В это время Руднева и её единомышленницы уже вели уроки в гимназиях и школах по своему методу, названному ими «музыкальным движением». Вскоре они официально зарегистрировали Студию «Гептахор» и двухгодичные курсы при ней и в начале 1920-х гг. дали в Петрограде много концертов. Студия закрылась под натиском сталинской эпохи, но Рудневой с единомышленниками — Л. С. Генераловой, О. К. Поповой, Э. М. Фиш и др. — удалось сохранить музыкальное движение, преподавая его (иногда под названием ритмики) в школах, детских садах и домах культуры. Сейчас музыкальное движение преподается и практикуется в ряде центров музыкального-пластического развития и студий пластического танца в Москве и Петербурге.

Метод музыкального движения и развитие музыкальности

Существует мнение, что «музыкальность дана от рождения» и является довольно редким качеством (некоторые [кто?] утверждают, что она присуща только одному ребёнку из 10) и не зависит от полученного человеком музыкального образования. Тем не менее, если под музыкальностью понимать не аналитический, звуковысотный слух, а слух интонационный — то есть способность слышать экспрессию музыкального произведения, а также мотивационные компоненты — любовь к музыке, способность откликаться на неё эмоционально, желание слушать и заниматься ею, то невозможно отрицать, что она поддается развитию. Метод музыкального движения помогает развить музыкальность через пластический жест: научиться понимать выразительность музыки и тем самым проникнуть в её глубинную суть, которая сама восходит к движению.

Музыкальное движение — это способ чувственно-телесного восприятия музыки, её пластического анализа. Занимающийся овладевает языком музыки непосредственно на практике, без изучения структуры музыкального произведения или техники игры на инструменте. Он учится говорить на музыкальном языке подобно тому, как учится говорить на родном языке ребёнок: не заучивая грамматику, а естественным путём, в общении и игре. Этот метод даёт, по выражению Т. Адорно, «хорошего слушателя»: понимающего музыку непосредственно, и не только церебрально, а умным телом. В результате такой подготовки формируется способность выражать пластически самые сложные параметры музыкального произведения: не только метр (чем часто ограничиваются танцоры), но и мелодию (голос, напевность), гармонию (краску движения), ритм, мажор-минор (светлое, радостное — темное, грустное), акцент (органный пункт, силу звучания, многоголосие).

Источник

Темпы в музыке: медленные, умеренные и быстрые

Классическое определение гласит, что темп в музыке – это скорость движения. Но что под этим подразумевается? Дело в том, что в музыке есть своя единица измерения времени. Это не секунды, как в физике, и не часы-минуты, к которым мы привыкли в жизни.

Музыкальное время больше всего напоминает биение человеческого сердца, мерные удары пульса. Эти удары и отмеряют время. И как раз от того, какие они – быстрые или медленные, зависит темп, то есть общая скорость движения.

Когда мы слушаем музыку, мы не слышим этой пульсации, если, конечно, она специально не показывается ударными инструментами. Но каждый музыкант скрыто, внутри себя обязательно ощущает эти удары пульса, именно они помогают играть или петь ритмично, не отклоняясь при этом от основного темпа.

Вот вам пример. Все знают мелодию новогодней песни «В лесу родилась елочка». В этой мелодии движение музыкального ритма идет, в основном, восьмыми длительностями нот (иногда встречаются и другие). Одновременно бьется пульс, просто так его не слышно, но мы его специально озвучим с помощью ударного инструмента. Послушайте данный пример, и вы начнете ощущать биение пульса в этой песне:

Какие бывают темпы в музыке?

Все темпы, какие только есть в музыке, можно поделить на три основные группы: медленные, умеренные (то есть средние) и быстрые. В нотной записи темп принято обозначать специальными терминами, большая часть из которых являются словами итальянского происхождения.

Так к медленным темпам относятся Largo и Lento, а так же Adagio и Grave.

К темпам умеренным причисляют Andante и производное от него Andantino, кроме того — Moderato, Sostenuto и Allegretto.

Наконец, перечислим быстрые темпы, это: веселое Allegro, «живые» Vivo и Vivace, а также быстрое Presto и наибыстрейшее Prestissimo.

Как установить точный темп?

Можно ли измерить музыкальный темп в секундах? Оказывается, можно. Для этого используется специальный прибор – метроном. Изобретателем механического метронома является немецкий физик-механик и музыкант Иоганн Мельцель. Ныне музыканты в своих повседневных репетициях пользуются как механическими метрономами, так и электронными аналогами – в виде отдельного прибора или приложения на телефоне.

Каков принцип действия метронома? Этот прибор после специальных настроек (передвинуть грузик по шкале) отбивает удары пульса с определенной скоростью (например, 80 ударов в минуту или 120 ударов в минуту и т.п.).

Щелчки метронома напоминают громкое тиканье часов. Та или иная частота биения этих ударов соответствует одному из музыкальных темпов. Например, для быстрого темпа Allegro частота будет примерно 120-132 удара в минуту, а для медленного темпа Adagio – около 60 ударов в минуту.

В зависимости от музыкального размера можно также настроить метроном так, чтобы он отмечал особыми знаками (звоночком, например) сильные доли.

Каждый композитор определяет темп своего сочинения по-разному: одни указывают его лишь приблизительно, одним термином, другие – устанавливают точные значения по метроному.

Во втором случае это обычно выглядит так: там, где должно быть темповое указание (или рядом с ним), стоит четвертная нота (удар пульса), далее знак равенства и число ударов в минуту по метроному Мельцеля. Пример можно посмотреть на картинке.

Таблица темпов, их обозначений и значений

В следующей таблице будут обобщены данные об основных медленных, умеренных и быстрых темпах: итальянское написание, произношение и перевод на русский язык, примерное (около 60, около 120 и т.п.) количество ударов в минуту по метроному.

Замедление и ускорение темпа произведения

Как правило, темп, взятый вначале произведения, сохраняется до его конца. Но нередко в музыке встречаются такие моменты, когда требуется замедление или, наоборот, ускорение движения. Для обозначения таких «оттенков» движения также существуют специальные термины: accelerando, stringendo, stretto и animando (это все для ускорения), а также ritenuto, ritardando, rallentando и allargando (эти — для замедления).

Чаще употребляются оттенки для замедления в конце произведения, особенно в старинной музыке. Постепенное или внезапное ускорение темпа больше характерно для романтической музыки.

Уточнение музыкальных темпов

Нередко в нотах рядом с основным обозначением темпа стоит одно или несколько дополнительных слов, которые уточняют характер нужного движения или характер музыкального произведения в целом.

Например, Allegro molto: аллегро – это просто быстро, а аллегро мольто – это очень быстро. Еще примеры: Allegro ma non troppo (быстро, но не слишком) или Allegro con brio (Быстро, с огнем).

Значение таких дополнительных обозначений всегда можно узнать с помощью специальных словарей иностранных музыкальных терминов. Однако наиболее часто употребляемые термины вы можете посмотреть в специальной шпаргалке, которую мы для вас приготовили. Ее можно распечатать и всегда иметь при себе.

ШПАРГАЛКА ТЕМПОВ И ДОПОЛНИТЕЛЬНЫХ ТЕРМИНОВ – СКАЧАТЬ

Вот такие вот основные моменты, касающиеся музыкального темпа, мы хотели донести до вас. Если у вас еще остались вопросы, то, пожалуйста, напишите их в комментариях. До новых встреч.

Источник