Академическая музыка что это
Академическая музыка
Академи́ческая му́зыка — музыка, находящаяся в отношении преемственности прежде всего к сформировавшимся в Европе в XVII—XIX вв. музыкальным жанрам и формам (опера, симфония, соната и т. п.), мелодическим и гармоническим принципам и инструментальному составу. В тех или иных конкретных случаях конфликт композиторов-академистов XX века, особенно принадлежащих к авангардным течениям (например, Джона Кейджа или Карлхайнца Штокхаузена), с музыкальной традицией прошлого может быть очень резким, но это именно конфликт (предельно напряжённый диалог), тогда как иные типы современной музыки — от поп-музыки до джаза — с классической европейской музыкальной традицией почти не взаимодействуют. Впрочем, те или иные эксперименты по скрещиванию академической музыки с разными другими традициями предпринимались на протяжении всего XX века: от созданного Джорджем Гершвином гибрида классики и джаза до записей в сопровождении симфонического оркестра (симфо-джаз), использования симфонического оркестра в рок-музыке (симфо-рок, симфоник-метал, симфо-блэк-метал и т. д.) или с иными заимствованными у «академистов» элементами исполнения, практиковавшимися многими рок-группами.
В более широком смысле слова академической музыкой можно считать ту, что написана, исполняется и изучается в среде музыкантов с академическим музыкальным образованием, сложившимся в XX веке из классических музыкальных традиций, но существенно отошедшей от них в сторону рациональных принципов организации музыкального материала.
См. также
Ссылки
Полезное
Смотреть что такое «Академическая музыка» в других словарях:
Виктуар де ля мюзик (академическая музыка) — Виктуар де ля мюзик, «Музыкальные победы» (фр. Victoires de la musique) в области академической музыки французская музыкальная премия. Присуждается ежегодно. Премия начала своё существование в рамках единой премии «Виктуар де ля мюзик» с… … Википедия
Академическая электронная музыка — Направление: Продолжение академических традиций в электронной музыке Истоки: Европейская академическая музыка, серьёзные формы электронной музыки Место и время возникновения: 60 е годы XX века Европа, США … Википедия
Музыка Израиля — Музыка Израиля представляет собой неотъемлемую часть культуры Израиля. Археологические находки указывают, что музыкальная культура существовала на территории современного Израиля уже четыре тысячи лет назад. По видимому, тогда она не… … Википедия
Музыка Латвии — в течение многих лет находилась под сильным влиянием немецкой культуры, лишь в конце XIX века начала формироваться национальная школа. В то же время народные музыкальные традиции страны имеют давнюю историю и богатое наследие. Содержание 1… … Википедия
Музыка Кубы — Музыка Кубы очень интересна и самобытна, она впитала в себя много местных мотивов и классическую аранжировку. Вопрос о происхождении одного из наиболее известных кубинских музыкальных стилей пачанги до сих пор не ясен. Традиционно… … Википедия
Музыка Франции — Группа музыкантов на Монмартре Французская музыка одна из самых интересных и влиятельных европейских музыкальных культур, которая черпает истоки из … Википедия
Музыка Башкортостана — Эта статья или раздел нуждается в переработке. Пожалуйста, улучшите статью в соответствии с правилами написания статей … Википедия
Музыка СССР — Основная статья: Союз Советских Социалистических Республик Музыка советского периода (1918 1991) в России и других союзных республиках за свою историю состояла из самых разнообразных жанров и периодов. Хотя основная часть музыкантов и… … Википедия
Музыка периода классицизма — История классической музыки Средневековье (476 1400) Ренессанс (1400 1600) Барокко (1600 1750) Классицизм (1750 1820) Романтизм (1820 1900) XX век (1901 2000) Современная классическая музыка (с 1975 года) Музыкой периода классицизма или … Википедия
Музыка Кореи — Исполнение чхвитха (кор. 취타). Музыка Кореи это традиционная корейская музыка, которая включает в себ … Википедия
Академическая музыка
В тех или иных конкретных случаях конфликт композиторов-академистов XX века, особенно принадлежащих к авангардным течениям (например, Джона Кейджа или Карлхайнца Штокхаузена), с музыкальной традицией прошлого может быть очень резким, но это именно конфликт (предельно напряжённый диалог), тогда как иные типы современной музыки — от поп-музыки до джаза — с классической европейской музыкальной традицией почти не взаимодействуют.
Впрочем, те или иные эксперименты по скрещиванию академической музыки с разными другими традициями предпринимались на протяжении всего XX века: от созданного Джорджем Гершвином гибрида классики и джаза до записей в сопровождении симфонического оркестра (симфо-джаз), использования симфонического оркестра в рок-музыке (симфо-рок, симфоник-метал, симфо-блэк-метал и т. д.) или с иными заимствованными у «академистов» элементами исполнения, практиковавшимися многими рок-группами.
В более широком смысле слова академической музыкой можно считать ту, что написана, исполняется и изучается в среде музыкантов с академическим музыкальным образованием, сложившимся в XX веке из классических музыкальных традиций, но существенно отошедшей от них в сторону рациональных принципов организации музыкального материала.
Концепция развития концертной деятельности в области академической музыки в Российской Федерации на период до 2025 года определяет академическую музыку как «совокупность музыкальных жанров профессионального музыкального искусства письменной традиции, возникших и развивающихся на основе универсальной системы музыкального языка, вбирающей в себя традиции всех национальных школ и являющейся достоянием мировой музыкальной культуры».
Академическая музыка
Из Википедии — свободной энциклопедии
Академи́ческая му́зыка (серьёзная музыка, светская профессиональная) — музыка, находящаяся в отношении преемственности прежде всего к сформировавшимся в Европе в XVII—XIX вв. музыкальным жанрам и формам (опера, симфония, соната и т. п.), мелодическим и гармоническим принципам и инструментальному составу.
В тех или иных конкретных случаях конфликт композиторов-академистов XX века, особенно принадлежащих к авангардным течениям (например, Джона Кейджа или Карлхайнца Штокхаузена), с музыкальной традицией прошлого может быть очень резким, но это именно конфликт (предельно напряжённый диалог), тогда как иные типы современной музыки — от поп-музыки до джаза — с классической европейской музыкальной традицией почти не взаимодействуют.
Впрочем, те или иные эксперименты по скрещиванию академической музыки с разными другими традициями предпринимались на протяжении всего XX века: от созданного Джорджем Гершвином гибрида классики и джаза до записей в сопровождении симфонического оркестра (симфо-джаз), использования симфонического оркестра в рок-музыке (симфо-рок, симфоник-метал, симфо-блэк-метал и т. д.) или с иными заимствованными у «академистов» элементами исполнения, практиковавшимися многими рок-группами.
В более широком смысле слова академической музыкой можно считать ту, что написана, исполняется и изучается в среде музыкантов с академическим музыкальным образованием, сложившимся в XX веке из классических музыкальных традиций, но существенно отошедшей от них в сторону рациональных принципов организации музыкального материала.
| История академической музыки | |
| Средневековье | (476—1400) |
| Ренессанс | (1400—1600) |
| Барокко | (1600—1750) |
| Классицизм | (1750—1820) |
| Романтизм | (1815—1890) |
| Модернизм | (1890—1930) |
| XX век | (1901—2000) |
| XXI век | (2001 — н. в.) |
Концепция развития концертной деятельности в области академической музыки в Российской Федерации на период до 2025 года [1] определяет академическую музыку как «совокупность музыкальных жанров профессионального музыкального искусства письменной традиции, возникших и развивающихся на основе универсальной системы музыкального языка, вбирающей в себя традиции всех национальных школ и являющейся достоянием мировой музыкальной культуры».
15-минутный путеводитель: академическая музыка для начинающих
К миру академической музыки часто напрасно относятся как к высоколобой институции, недружелюбной к неискушенным слушателям. Вместе с тем сами музыканты обеспокоены снижением интереса к их работе, хотя, казалось бы, в Казани имеются собственные музыкальные бренды: София Губайдулина, Салих Сайдашев, Государственный оркестр Александра Сладковского. «Инде» решил вмешаться в ситуацию и с помощью музыкантов и музыкальных критиков составил справочник для начинающих исследователей мира академической музыки, дабы уберечь от прослушивания произведений, способных напугать даже самих музыкантов, и направить любознательность в правильное русло.
музыкальный критик, автор телеграм-канала Sobolev//Music
Путеводители такого рода обычно начинаются с проверенной классики XVIII−XIX веков. Но мне кажется, что поколению, которое слушает Бейонсе, проще подступиться к классике через произведения, написанные в последние 100 лет.
В качестве старта я советую «Весну священную» Игоря Стравинского. Это ключевое произведение ХХ века. У него очень низкий порог вхождения. Считается, что для понимания музыки слушатель должен знать исторический контекст, биографию автора и кучу дополнительной информации, но это не так в случае со Стравинским. «Весна священная» сразу цепляет рваным, резким темпераментом, в нем много понятных современному слушателю ритмических кусков. Я бы посоветовал исполнение Бернстайна и Нью-Йоркской филармонии 1958 года. Стравинский, услышав это исполнение, написал в своем дневнике одно слово: wow — лучше рекомендации быть не может. Также можно послушать версию Евгения Светланова 1961 года, которая известна своей скоростью — в этом исполнении «Весна священная» быстрее, чем ее исполняют обычно, что ей даже на пользу.
«Весна священная». Игорь Стравинский, дирижер Евгений Светланов
Далее не нужно углубляться в авангард — наоборот, стоит вернуться назад и послушать какие-то классические симфонические или фортепианные сочинения. Как правило, именно такая инструментальная форма наиболее привычна современному слушателю. Я советую перейти к Бетховену. С его именем связан важный водораздел в истории музыки: до него музыка была приложением к какому-то действию, но Бетховен считал, что музыка — это абсолютное искусство. Его радикальность в том, что он добился того, что музыка обрела независимость. Я не советую Девятую или Пятую симфонию — они слишком известны и потому многим могут показаться скучными. Для начала нужно попробовать Шестую «Пасторальную» симфонию: структурно и мелодически это одно из самых понятных сочинений Бетховена, она легко воспринимается на чисто эмоциональном уровне. Среди дирижеров, исполнявших Бетховена, я выделю Артуро Тосканини, но не могу его советовать, потому что его записи 1930−1950-х годов не очень хорошего качества. Можно попробовать записи Герберта фон Караяна до 1980-х годов — в 1980-х он записывал в более экспериментальном ключе для популяризации первых CD, и в них достаточно плоский звук, за что вообще часто ругают ранние CD-записи, оркестр там расслышать нельзя. Но у Караяна много записей и тут есть из чего выбрать.
Шестая «Пасторальная» симфония. Людвиг ван Бетховен, дирижер Герберт фон Караян
Иоганн Себастьян Бах — главный человек в западной музыкальной традиции. Нужно помнить, что, несмотря на все его нововведения, какой-то революции при жизни он не произвел. Он немного вписывался в существовавшую традицию барокко и не создал свою — в последующие 40 лет его влияние практически не прослеживается. Баха воскресили Мендельсон и Шуман, основные его популяризаторы, сформировавшие определенный культ Баха. У Баха огромное количество произведений, написанных в невероятно большом количестве жанров — от органной музыки до ораторий. Я советую начать с вокальной либо сольной музыки Баха, например Гольдберг-вариации в виртуозном исполнении Гленна Гульда — это совершенно заслуженно одна из самых продаваемых записей в истории музыки и отличный способ ознакомиться с западной традицией сольного фортепианного исполнения. Что касается хоровой музыки, то сложно представить более весомого композитора в этой области, чем Бах. Не нужно кидаться на большие оратории, которые идут по три-четыре часа, — хотя это безусловно его главные шедевры, — лучше начать с коротких кантат, например с любой записанной дирижером Карлом Рихтером. Есть две традиции исполнения Баха и барочной музыки вообще — традиция из романтической эпохи, пережившая модернизм, где Бах исполняется в осовремененном языке большими оркестрами, и культура исполнения аутентичная, то, что называется historical informed performance. Рихтер исполняет Баха в современной манере — все четко, громко и с правильными акцентами, и для новичков это хорошо. Все-таки аутентичная барочная манера исполнения непривычна для современного слуха.
Что касается Моцарта, то с ним связаны две проблемы. Во-первых, это устойчивый миф о том, что его гений сформировался в очень разном возрасте, что он писал музыку чуть ли не в утробе матери. Это не совсем верно. У Моцарта не было детства, его использовал отец для достижения собственных целей; Моцарт невероятно много работал каждодневно, из-за чего у него были какие-то пробелы в общечеловеческом образовании, — и только когда он их преодолел, он вырос в уникального композитора, сочинившего за короткое время невероятное количество шедевров, и в этом отношении с ним может поспорить только Шуберт. Ранние его произведения сильно уступают, на мой взгляд, поздним. Вторая проблема: гениальность Моцарта раскрывается в музыке, которую он писал для опер, а не в известных фортепианных сочинениях. Я бы посоветовал посмотреть оперу «Волшебная флейта» — это эффектное и виртуозное произведение. Почему посмотреть? Дело в том, что конкретно «Волшебная флейта» — это singspiel, зингшпиль, определенный жанр немецко-австрийского оперного театра: он построен как мюзикл — песенные и музыкальные номера прерываются разговорами, толкающими вперед сюжет. И на записях это очень непросто выдержать, а в формате просмотра — вполне. Можно в качестве теста включить «Арию Королевы ночи» — это очень короткое произведение, от которого можно упасть, настолько оно феерически сделано. Даже по меркам авангарда XXI века это сумасшедшая работа. И дает представление о том, что такое оперный Моцарт в принципе.
После этого я предлагаю уходить в модернизм — в музыку 1920−1940-х годов. В это время наблюдается невероятный подъем академической музыки. С ростом национального самосознания народов после Первой мировой войны появляются композиторы из таких стран, где раньше академическую музыку нельзя было представить (например из Центральной Америки). Я советую начать знакомство с этим периодом с венгерского композитора Белы Бартока. Ключевая фигура в истории музыки начала XX века, он парадоксальным образом работал вне основных тенденций и течений. Барток опирался на венгерский фольклор, причем самостоятельно собирал музыкальный материал в деревнях. Он всегда понимал, что музыка не набор правил и их можно при необходимости нарушить. Я советую его основное произведение — Концерт для оркестра (1943). Несмотря на то что он написал его в то время, когда уже был смертельно болен раком, это легкое и веселое сочинение, выполненное в неоклассическом ключе; в нем заложен юмор и оно не дает слушателю скучать. Плохо исполнять Бартока в оркестровом варианте очень сложно, так как он один из самых дотошных писателей музыки, но если выбирать лучшее — это будет версия Фрица Райнера, тоже венгра, записанная в 1956 году. От Бартока можно двинуться как к додекафонии, так и к неоклассицизму — двум важнейшим трендам модернизма. Но если додекафония все-таки и сейчас звучит вневременно, то вот про Стравинского 30-х, Хиндемита и прочих весомых авторов, исповедующих неоклассицизм, сказать такого нельзя. Новичкам погружаться в их мир будет сложно, так как это больше история про то, как композиторы рефлексируют и перерабатывают музыку прошлого, и это скорее интересно для историков музыки».
Концерт для оркестра. Бела Барток, дирижер Фриц Рейнер
После Бартока логично взяться за период романтизма, по поводу которого сложилось ложное впечатление как о понятной и простой музыке, своего рода эмоциональной жвачке. Но это не так: во-первых, идеалы романтизма крайне далеки от нынешних, потому их сложно понять; среди произведений поздних романтиков есть неподъемные многочасовые сочинения, с которыми новичок точно не справится. Вместо Брукнера и Малера, которых стоит трогать в десятую очередь, я бы посоветовал обратиться к ансамблевой музыке и начать со струнного октета Феликса Мендельсона, который дает полноценное впечатление о музыке этой эпохи. Во многом именно Мендельсон сформулировал основные музыкальные черты эпохи, и ко всему прочему это очень доступный композитор. Октет он написал в 16 лет, и, на мой взгляд, это убирает все, что в том же возрасте написал Моцарт. Слушать его я советую в исполнении двух квартетов из Чехии: Яначека и Сметаны.
Струнный октет Феликса Мендельсона, квартеты Яначека и Сметаны
Что касается современной музыки, то в ней условно есть два полюса — европейский и американский. Европейская предполагает либо развитие традиций прошлого, либо переосмысление музыки через идеи концептуализма, либо мультидисциплинарный подход — практически никто из молодых европейских композиторов не работает с музыкой как с отдельно стоящим материалом, что периодически выливается в очень странные вещи вроде семичасовой оперы «Аудиогид» Иоханнеса Крайдлера. Из европейцев я советую французского композитора Оливье Мессиана, который на многих повлиял — он читал лекции Пьеру Булезу, Штокхаузену, он научил многих писать додекафоническую музыку. У него очень экспрессивная, интуитивно понятная музыка, хотя она не всегда звучит просто, но эмоционально в нее врубаешься сразу. Это справедливо и для его главного произведения — Турангалила-симфонии. Его лучше послушать в исполнении корейского дирижера Мен Хун Чона. Американская традиция породила самую популярную ветвь академической музыки — минимализм. О Стиве Райхе и Филипе Глассе слышали даже далекие от музыки люди. Это на 100 процентов американская музыка: хоть она отчасти происходит от североиндийской музыки, но имеет отношение еще к музыке коренного населения США и к американской контркультуре середины XX века, к движению хиппи в частности. Но я советую не их, а Джона Кейджа. Многие говорят, что его музыка требует огромного количества дополнительных знаний. Это в какой-то мере так, поэтому я советую его сонаты и интерлюдии для подготовленного пианино конца 1940-х — это простая, эффектная и мелодичная музыка, в которой, вместе с тем, прослеживаются все идеи, которые волновали Кейджа: различные возможности звукоизвлечения, свобода выбора в исполнении музыки, концептуализм. Поняв Кейджа, можно слушать уже других самобытных американских авторов — например Мортона Фелдмана, Генри Кауэлла, Лу Гаррисона, Гарри Парча и прочих. Эта музыка будет особенно интересна всем, у кого представления об академической среде до сих пор остаются крайне консервативными.
Русская музыка стоит особняком и имеет собственную традицию, она вообще не похожа ни на что, что происходило в конкретные эпохи, при этом влияла на европейских сочинителей. Самый великий по вкладу в мировую музыку русский композитор — Мусоргский. Он повлиял не только на Шостаковича, но и на французских импрессионистов и, через них, европейский авангард. Я бы посоветовал начать знакомство с русской академической традицией с Шостаковича (Чайковский во многом опирается на европейскую традицию и к тому же заигран до смерти). Несмотря на то что, по моему мнению, Шостакович часто писал чудовищную музыку, композитор он гениальный: взять несколько понятных его неоромантических тональных сочинений, к примеру, это Восьмой струнный квартет, который часто используют в кино. Это музыка не для фонового прослушивания, она слишком жесткая и нервная, ее не поставишь детям — из всего списка это самое тяжелое эмоционально сочинение. Произведения Шостаковича дают представление о том, к чему пришла русская музыка после череды революций. Это идеальная фигура для вхождения в мир музыки его современников. Он, к слову, не будучи евреем, страшно увлекался еврейской музыкой (и эти мотивы слышны в Восьмом струнном квартете), что, мне кажется, роднит его с историей русской интеллигенции в XX веке вообще.
журналист, автор телеграм-канала «Фермата»
Я бы советовал начинать не с XIX века, а с барочной музыки, которая, как показывает практика, современному человеку зачастую понятна и близка без объяснений и не вызывает того комплекса сложных чувств, которые, по разным причинам, могут вызвать те же симфонии Бетховена. Кроме того, слуховой опыт нас к этой камерной музыке уже подготовил — от дебютных альбомов Девендры Банхарта и Джоанны Ньюсом, старых дисков Донована и сборников New Weird America до барокко дистанция не такая уж огромная. Начните с английской школы, Генри Перселла и Джона Доуленда, а перед этим включите The Cold song Клауса Номи, чтобы убедиться, что с Перселлом вы на самом деле давно знакомы — это ария What power art thou who from below из оперы «Король Артур». Рекомендую Андреаса Шолля — Crystal Tears. John Dowland and his contemporaries (2008) и O Solitude (2010), Анне Софи фон Оттер — Music for a while (2004) и Дон Апшоу — Angels hide their faces: Dawm Upshow sings Bach and Purcell (2005). А после этого — довольно эксцентричную пластинку Apparition (2007) немецкой оперной певицы Кристины Шефер, в которой она поет Перселла вперемежку с сочинениями американского авангардиста XX века Джорджа Крама.
The Cold song. Клаус Номи
Переключившись на французское и итальянское барокко, ознакомьтесь с искусством современных контртеноров — Филиппа Жарусски, Макса Эммануэля Ценчича, Йестина Дэвиса — и историей кастратов, репертуар которых они активно осваивают (Питер Барбье. «История кастратов», 2006). Заодно нужно послушать единственную дошедшую до нас запись Алессандро Морески, «последнего кастрата», сделанную в 1902 году, — она напоминает, как быстро меняются представления о том, как надо исполнять ту или иную музыку (хотя, конечно, стоит иметь в виду, что Морески не был великим исполнителем и Фаринелли уж наверняка пел получше).
Ave Maria. Алессандро Морески
Дальше можно послушать St Petersburg Сесилии Бартоли, чтобы убедиться, что и у нас было свое барокко (а не знаем мы его потому, что на всех архивах сиднем сидит Валерий Абисалович Гергиев и никому не дает). «Иду на смерть» — шедевр. Попробуйте также послушать что-то очень знакомое, например «Времена года» Вивальди, но в лихом исполнении — например аутентистов из Il Giardino Armonico. Если после этого замахнетесь на барочные оперы, например на великую «Роделинду» Генделя, помните, что их совершенно не обязательно слушать не шелохнувшись — эти четырех- и шестичасовые оперы в свое время никто так и не слушал, зрители входили и выходили из зала, болтали и выпивали, а в ложах венецианских опер висели специальные зеркала, в которые можно было поглядывать, не высовывая носа в зал, чтобы не пропустить особо выдающуюся арию, а в остальное время — ужинать и играть в шахматы (и поплевывать сверху на посетителей партера). В какой-то момент вы непременно откроете для себя ансамбль L’Arpeggiata, у которого можно слушать абсолютно все, но в первую очередь — альбомы La Tarantella и All Improvviso, доказывающие, что барочная музыка — это чистый рок-н-ролл. Особняком стоит гениальная пластинка Music for a while, где Перселл оказывается поводом для джазовых импровизаций. Кстати, неплохой способ расширить горизонты дают плей-листы на Apple Music, например The best of chaconne, где одну и ту же ритмическую фигуру барочного танца обыгрывают Монтеверди, Люлли, Перселл, Рамо. Послушайте, кстати, как играет Рамо Теодор Курентзис (The Sound of light). Еще одна беспроигрышная запись — сюиты для виолы да гамба Марена Маре (этого гамбиста при дворе Людовика XIV играл Жерар Депардье в фильме «Все утра мира») в исполнении Кристофа Куана, звучащие подозрительно современно. Во многом потому, что они еще и записаны с диким количеством реверберации, так что звучат практически как дарк-эмбиент.
St Petersburg. Сесилия Бартоли
Вообще, хороший способ разобраться в музыке — это слушать разные исполнения одной и той же вещи. Например, послушайте подряд Ground in С Minor Перселла в исполнении великой клавесинистки Ванды Ландовски, Густава Леонхарда, а потом фортепианные переложения Никиты Мндоянца, Вадима Холоденко и Антона Батагова.
Не нужно никакой специальной подготовки, чтобы оценить инструментальную музыку Баха, прежде всего Гольдберг-вариации, любимое сочинение Ганнибала Лектера. Бах написал их для страдавшего бессонницей графа Кайзерлинга, российского посла при саксонском дворе. Количество разнообразных записей Гольдберг-вариаций бесконечно, но начать стоит с Гленна Гульда — его версия вариаций (точнее, две версии — он записал их в 1955-м и еще раз незадолго до смерти, в 1981 году) безусловно входит в десятку лучших записей века. После этого можно перейти к кантатам Баха, а для лучшего понимания прослушать хотя бы кусочек гигантского, но страшно интересного лекционного цикла «Литургический год с И.С. Бахом».
ХХ век стоит начать с загадочного «Вопроса, оставшегося без ответа» Чарлза Айвза — сложно поверить, что это сочинение 1906 года. Ну или с «Весны священной» Стравинского, не требующей вообще никаких объяснений — современное ухо легко услышит в этой музыке и джаз, и хардроковые риффы, и все, чему еще только предстоит родиться. Вообще, стоит побольше послушать именно музыки 1910−1920-х, чтобы почувствовать, что классика не живет и никогда не жила в коконе, что на нее непременно влияет окружающий мир, иногда — самым неожиданным образом. В то время это был ворвавшийся в мир академической музыки джаз, который слышен и у Стравинского, и у Хиндемита, и в операх типа «Джонни наигрывает» Кшенека. Послушайте «Джазовую симфонию» Джорджа Антейла, его сонату «Аэроплан», а начните с «Дикой сонаты» и «Механического балета», который и сейчас производит впечатление. Кроме джаза в музыке того времени невозможно не услышать кабаре, без которого не было бы, например, Курта Вайля. Начните с его «Трехгрошовой оперы» (1928), а потом можно послушать «Расцвет и падение города Махагони» (1929) — по крайней мере один номер из нее, Alabama song, вы наверняка слышали (для многих по-прежнему оказывается сюрпризом, что ее сочинила не группа The Doors). После Вайля легче будет понять «Лунного Пьеро» (1912) Арнольда Шенберга, важнейшее для музыки XX века сочинение, — без модернистского кабаре его бы не было. А после этого послушайте невероятные «Америки» (1921) Эдгара Вареза с кряканьем и солирующими сиренами, в которых слышно все сразу — и Стравинский, и Малер, и Шенберг, и футуристы, и победительная сила биг-бенда.